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FRANCISCO DELGADO-IRIBARREN CRUZ | ESTE JUEGO ES INFINITO

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero

Bajo el título “Este juego es infinito” el autor, Francisco Delgado-Iribarren Cruz, nos presenta esta obra asequible para todos los públicos, ya que expresa de manera clara el simbolismo propio del lenguaje poético.

El paseo discurre a lo largo de sesenta y cuatro sonetos escritos con exquisitos versos repletos de metáforas que nos revelan la primera de ellas presente ya en su sugerente título: la estrecha conexión entre el juego del ajedrez y la vida. “El ajedrez es sombra de la vida, / pero en la vida no cabe el empate: / la vida siempre acaba en jaque mate” (C3 Carlsen vs. Caruana pág. 46)  Y es que en el ajedrez podemos encontrar muchas “coincidencias” (y curiosidades) esotéricas y simbólicas con referencia a la vida en su máxima expresión.

La temática es de corte muy íntimo, hallamos la soledad, el dolor, el desamparo, la miseria humana, la felicidad, el amor, etc. pero, sobre todo, los versos que priman son los del descubrimiento y vivencia cotidiana, la que se alimenta de la Ilusión, la que necesita echar de menos, la que no está atado a los convencionalismos sociales, la que se reserva para la mirada del poeta, la que hace disfrutar de la vida de forma plena “Entre sangre, sudor, lágrimas, fuego, / discurren los minutos de este juego, (la vida)/ hecho para sufrir y para amar” (D2 La guerra pág. 39). Así podemos señalar que en su significado más básico, el ajedrez es una representación de la arquetípica batalla entre el bien y el mal. Si trasladamos este juego al quehacer diario, cada acción es como una jugada. En líneas generales, si el ser humano realiza buenas acciones (buenas jugadas), le irá bien; si realiza malas acciones (malas jugadas), le irá mal. Es una manera de enseñar la Ley del “Karma”.  “La violencia es su máximo exponente, / la partida en su gran encrucijada, porque sin ellas nada será igual” (E5 Choque de damas pág. 64)

De este modo, el autor nos invita a reflexionar indicándonos que, si tomamos la poesía como modo de habitar el mundo, el juego del ajedrez deviene eterno, sus jugadas darán paso todos los días a un nuevo despertar, sin importar la estación del año en la que nos encontremos porque es vida que se alimenta del instante, fuera de los límites del tiempo, y sólo ella nos da la oportunidad de conocer todo puro que en ella habita “¡Hacedor de impensables sacrificios! / ¡Cruel pirómano y gánster del tablero! / ¡Brujo, malabarista, gran trilero! / ¡Adalid de virtudes y de vicios! (D3 A Mihail Tal pág. 47)”. El autor nos muestra a lo largo de todo el poemario que la finalidad del ajedrez no es solamente lúdica, sino también didáctica, pues a través de este juego se transmiten muchas enseñanzas para el vivir. En mi opinión, definiría esta obra como un despliegue detallado de la vivencia de aquello que forma parte de la naturaleza humana, sin olvidar ningún matiz contenido en esta. A través de cada poema, de cada jugada el ajedrez enseña planificación, concentración, análisis; nos muestra que la victoria es consecuencia del esfuerzo y los aciertos propios y, por tanto, la derrota es consecuencia de los errores propios. Nos instruye sobre táctica, estrategia y lógica.  No es un juego de azar, es un juego racional que nos enseña a tomar decisiones y nos ayuda a desarrollar confianza, paciencia y disciplina.

Es una obra que recomiendo como imprescindible para aquellos que aman la poesía, que son exigentes en sus lecturas, que buscan sentir emociones a través de los libros, pues nos encontramos con un tipo de escritura contemporánea que conserva en sí misma el lenguaje metafórico de los poemas clásicos y que es capaz de transportarnos al interior de la esencia humana a través de la mirada del poeta y del juego del ajedrez. ¡BUENA LECTURA!


Este Juego es infinito
Francisco Delgado-Iribarren Cruz
Editorial: Poesía eres tú
Prólogo: David Coll

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FERNANDO PESSOA: «EL LIBRO DEL DESASOSIEGO»

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero

Escribe Fernando Pessoa en este libro, “Sueñe lo que sueñe, siempre me quedo donde estoy” este libro condenado a ser eterno ya que mantiene plena y perfecta su vigencia, y el pasar del tiempo no hace sino darle a las voces que de él fluyen el perfume de la actualidad más palpable, y que sin lugar a dudas sus lectores confirmarán a lo largo de los años venideros.

“El libro del desasosiego” es el maravilloso diario íntimo de un ayudante de contable en la ciudad de Lisboa en los años 30 “Escribo estas líneas, realmente mal anotadas, no para decir esto, ni para decir cualquier cosa, sino para ocupar en algo mi desatención.”. Atribuido por su autor a Bernardo Soares, «personalidad literaria de Fernando Pessoa» del cual dijo «soy yo menos el raciocinio y la afectividad”.

En él, su protagonista plasma sus divagaciones y ensueños, sus reflexiones estéticas, filosóficas y literarias, contraponiéndolos a lo gris de su vida cotidiana “La conciencia de la inconsciencia de la vida es el más antiguo impuesto que recae sobre la inteligencia.”. Esta obra se mantuvo inédita hasta el año 1982, y se puede decir que el Libro del desasosiego es probablemente la principal obra en prosa de Fernando Pessoa, fue escrita durante la mayor parte de la vida del escritor portugués: desde 1912, aproximadamente, hasta el mismo año de su muerte. Ha sido elogiado por la crítica como una de las obras más bellas del siglo XX, y en él se entrelazan el ensayo, el poema en prosa e incluso lo narrativo y descriptivo.

Una de las principales aportaciones de Fernando Pessoa a la literatura es la adopción de la filosofía como medio de comunicación a través de la cual se produce la sanación de aquellas personas cuya inteligencia convierte las horas en alientos solitarios. La soledad me desoía; la compañía me oprime. La presencia de otra persona me descamina los pensamientos; sueño su presencia con una distracción especial, que toda mi atención analítica no consigue definir.”  Esto hace que el lector se sienta atrapado y aludido en cada línea de la obra.

Podemos decir de este libro que es extenso e intenso. Que ha sido construido de sueños y de realidades concretas. “No sé de un placer mayor, en toda mi vida, que el de poder dormir. El apagamiento integral de la vida y del alma, el alejamiento completo de todo cuanto es seres y gente, el no tener pasado ni futuro.” Entre sus páginas parece que todo el ser humano tiene lugar, tiene cabida, ya que el poeta puede leer todo aquello que permanece dentro del alma. Al paso de su lectura, sea cual sea el paisaje que trazan las palabras cabe preguntarse si alguien, algún lector, podría llegar a plantearse: que en esas páginas se haya bordado el camino de su vida. ”Quien vive como yo no muere: se acaba, se marchita, se desvegeta. El sitio donde estuvo sigue sin él estar allí, la calle por donde caminaba sigue sin que él sea visto en ella, la casa que habitaba es habitada por no él.” A excepción, tal vez, en los textos de índole descriptiva, pero aún en estos; por la forma que tiene el autor de describir, de contemplar el lienzo de los minutos, es difícil escapar al embrujo que se siente como hipotético como co-protagonista de lo escrito. Podremos señalar de este modo que se trata de un libro elaborado esencialmente de pasajes, de fragmentos, si bien la conclusión es que se trata de un libro perfectamente unitario. Para comprender, me destruí. Comprender es olvidarse de amar. No conozco nada más al mismo tiempo falso y significativo que aquel dicho de Leonardo da Vinci de que no se puede amar u odiar una cosa sino después de haberla comprendido.

Puedo concluir, después de leer el libro, diciendo que el destino del hombre está unido al ámbito de la soledad interior. Que la libertad adelgaza como una sombra quedando en la mera silueta de la nada, que los sueños son reflejos de un anhelo que está por descubrir, que lo cotidiano aletarga el aliento de nuestras vidas. Y solo me cabe reconocer, al fin, que nada y todo son  una misma cosa a sabiendas de cuanto el tiempo ha de venir a significar para nosotros.


Libro del desasosiego
Fernando Pessoa
Alianza Editorial
Madrid, 2016
ISBN: 978-84-9104-213-6

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LEWIS CARROLL: «LA CAZA DEL SNARK» | LA BITÁCORA DEL «SIN SENTIDO»

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero

El relato de “La ca­za del Snark” de Lewis Carroll, es un texto singular y apasionante. Resulta singular porque contiene humor, ingenio, cultivo del absurdo, invención de términos y la creación de un ambiente irreal habitado por unos personajes delirantes. El efecto que en el lector ejerce esta fórmula carroliana, llevada al extremo en este poema épico, es una fascinanción intensa. Al placer de seguir una acción desbocada se suma la perplejidad ante su significado. O, pa­ra ser más exac­tos, el in­te­rés que ejerce sobre el lector el hecho de leer un poe­ma que es un sin sen­ti­do den­tro de la obra del pro­pio au­tor en el que nos en­se­ña la pers­pec­ti­va de qué ocu­rre cuan­do el sin sen­ti­do en­cuen­tra, den­tro de su pro­pio sen­ti­do, un afue­ra de sí mis­mo. Esta perplejidad es un incentivo de la lectura, pues incita al juego de buscar sentido a las situaciones y, muy especialmente, al desenlace de la acción.

Pero: ¿Qué significado tiene la historia? ¿Qué representan los personajes de la expedición? ¿A qué simbolismo remiten los animales fantásticos que aparecen en el poema?

“La ca­za del Snark”  es ex­cep­cio­nal en el sen­ti­do de que esta obra de Lewis Carroll es el úni­ca no trans­cu­rre en el país de las ma­ra­vi­llas, es­tá es­cri­ta en ver­so y lo pri­me­ro que es­cri­bió de ella fue su ver­so fi­nal. Aunque es­to no pa­rez­can más que da­tos irre­le­van­tes o, en cual­quier ca­so, he­chos que tie­nen más de in­tere­san­tes en un es­tu­dio li­te­ra­rio, en reali­dad nos apor­tan una cier­ta can­ti­dad de in­for­ma­ción que qui­zás se po­día es­ca­par den­tro de un aná­li­sis ba­sa­do en la nor­ma­ti­vi­dad del sen­ti­do de Lewis Carroll; en tan­to ra­ra avis, “La ca­za del Snark” es una re­cen­sión so­bre la ex­tra­ñe­za, del sin sen­ti­do, den­tro de la obra de Lewis Carroll.

EL re­la­to se de­fi­ne des­de el pri­mer mi­nu­to co­mo un irre­ve­ren­te ac­to de per­ver­sión de to­dos los có­di­gos que le su­po­ne­mos co­mu­nes a Alicia. Como ya he dicho no trans­cu­rre en el mis­mo lu­gar que el res­to de la obra de Carroll, no es­tá escrito del mis­mo mo­do y es­tá co­men­za­do por el fi­nal. Aquí el “sin sentido” es uti­li­za­do en su ter­mi­no­lo­gía más exac­ta, co­mo una per­ver­sión del len­gua­je pa­ra sub­ver­tir cual­quier idea pre­con­ce­bi­da que tengamos so­bre las pa­la­bras en sí; a diferencia de las historias de Alicia que es­ta­ban repletas de un sin sen­ti­do fí­si­co, de una lo­cu­ra exis­ten­cial en tan­to tal, el Snark es una con­ca­te­na­ción de me­tá­fo­ras del sin sen­ti­do.

No nos de­be­ría re­sul­tar ex­tra­ño, por lo tanto, que Lewis Carroll eligiera para este relato el formato del poe­ma, por ser este tal vez más me­ta­fó­ri­co que los tex­tos en prosa, ya que pa­re­ce que el sim­bo­lis­mo y la me­tá­fo­ra son ca­si un te­rreno don­de se le es per­mi­ti­do de for­ma abier­ta, y no en for­ma de ex­cep­ción, a la poe­sía. Llegados a este punto debemos preguntarnos, ¿Qué va­lor tie­ne la me­tá­fo­ra? A lo cual nos responderíamos, la me­tá­fo­ra nos pre­sen­ta una reali­dad que no po­de­mos o no que­re­mos co­no­cer di­rec­ta­men­te a tra­vés de un ro­deo que nos per­mi­te ver­lo a tra­vés de su sim­bo­li­za­ción. Y esto tie­ne que ver con el sin sen­ti­do en tan­to pue­den ocu­rrir dos co­sas al res­pec­to: que lo que que­ra­mos de­cir pue­da ser nom­bra­do y, por tan­to, lo con­vir­ta­mos en un sin sen­ti­do; o que lo que que­ra­mos de­cir no pue­da ser nom­bra­do y, por tan­to, es un sin sen­ti­do en sí mis­mo (pa­ra no­so­tros) sien­do su in­ten­to de nom­brar­lo un sin sen­ti­do al alu­dir a al­go que ya no tie­ne sen­ti­do de por sí.

Bajo es­ta con­di­ción la me­tá­fo­ra nos de­ja en una ex­tra­ña po­si­ción con res­pec­to de la nor­ma­ti­vi­dad en uso del len­gua­je, pues pa­re­ce ser que es a tra­vés de ellas co­mo se con­for­man nue­vas pa­la­bras. Sólo cuan­do alu­di­mos a al­go con un sen­ti­do ul­te­rior al sen­ti­do ya nor­ma­ti­vi­za­do, cuan­do alu­di­mos al sin sen­ti­do pre­sen­te en el mun­do no­mi­nán­do­lo de al­gún mo­do sea cual fue­re es­te, es en­ton­ces cuan­do po­de­mos co­men­zar a nom­brar lo in­nom­bra­ble; aque­llo que no se pue­de nom­brar no se nom­bra has­ta que se me­ta­fo­ri­za y, a par­tir de allí, se crea una ima­gen da­da a tra­vés de la cual se en­tien­de li­te­ral­men­te. Es por ello que po­dría­mos en­ten­der que el sin sen­ti­do, no es só­lo al­go que no re­sul­ta ofen­si­vo sino que, en úl­ti­mo tér­mino, ayu­da a cons­truir el sen­ti­do ul­te­rior de una reali­dad en per­pe­tuo de­ve­nir pa­ra la cual ne­ce­si­ta­mos alu­dir cons­tan­te­men­te a tra­vés de nom­bres de los que es­tán des­po­seí­dos an­tes de su “bau­tis­mo”.

Pero ¿Qué es el Snark?, el Snark es un ani­mal des­con­cer­tan­te ya que es­tos tie­nen va­rias es­pe­cies den­tro de sí, dis­tin­guien­do los que tie­nen plu­mas y muer­den de aque­llos otros que tie­nen bi­go­tes y ara­ñan. Ahora bien es importante señalar, que al­gu­nos Snark no son propiamente Snark, sino que son Bujum (podríamos decir que es lo mismo pero no exactamente) por lo cual aun cuan­do los personajes in­ten­tan nom­brar­lo no pue­den. El Snark es una co­sa y el Bujum otra aun cuan­do son pa­re­ci­das, y en tan­to se ha de­ci­di­do que son co­sas di­fe­ren­tes no se les pue­de nom­brar co­mo la mis­ma sin caer en el pu­ro sin sen­ti­do. Sin em­bar­go ja­más se nos acla­ra que ha­ya al­gu­na di­fe­ren­cia real en­tre ellas, de he­cho pa­re­ce que la úni­ca di­fe­ren­cia en­tre am­bos es si ac­túan o no vio­len­ta­men­te con res­pec­to de los ma­ri­nos ‑y ni si­quie­ra es­to que­da del to­do cla­ro. He aquí el au­tén­ti­co sin sentido, el per­fec­to ejem­plo de cómo fun­cio­na la me­tá­fo­ra en el mun­do, ya que aun­que pa­ra no­so­tros no tie­ne sen­ti­do el cam­bio no­mi­nal, pa­ra los per­so­na­jes de la aven­tu­ra lo tie­ne y lo en­tien­den.

¿Qué es un Bujum entonces? Es aque­llo que si es con­fun­di­do con un Snark te en­vía al va­cío me­tá­fo­ri­co de la exis­ten­cia. Cuando un personaje confunde al Bujum con el Snark es acu­sa­do de ser una en­ti­dad sin sen­ti­do, un lo­co, y es arro­jado al sin sen­ti­do ab­so­lu­to don­de no ca­be más que ver co­mo una cla­rí­si­ma dis­tin­ción ha con­du­ci­do a un hom­bre a com­por­tar­se de un mo­do irra­cio­nal, de nom­brar a un ani­mal con el nom­bre de otro. Podemos decir entonces, que en “La ca­za del Snark” el sin sentido es el pre­ci­pi­tar­se ha­cia una reali­dad que no tie­ne sen­ti­do aquí y ahora, pe­ro qui­zás ten­ga sen­ti­do o en un fu­tu­ro o en otro lu­gar o pa­ra otra gen­te al es­tar su­mer­gi­dos en otras con­di­cio­nes fác­ti­cas de nor­ma­ti­vi­dad lin­güís­ti­ca en la so­cie­dad.

Concluyo mi análisis señalando que la interpretación de “La ca­za del Snark”  es una actividad inagotable y, a la vez, una invitación a reflejar las ilusiones y los temores de cada cual en estas agradecidas páginas de Lewis Carroll.

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MIGUEL ÁNGEL YUSTA: REFLEJOS EN UN ESPEJO ROTO

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero

Al fin he leído Reflejos en un espejo roto, de Miguel Ángel Yusta, este poemario que llevaba tanto tiempo en mi lista de pendientes imperdonables. Publicado por la editorial Lastura el pasado año 2019, es un periplo en el claroscuro del amor, dividido en diez partes, en las que el poeta se va deshojando pétalo a pétalo haciéndonos partícipes de ese gran dolor que el amor deja tras su marcha. “Vacío y soledad se dan la mano / y esa gota persiste. Ya son miles / que horadan con dolor hasta los huesos.” La particular ordenación de los poemas permite un ir y venir por las distintas fases del desamor, por los distintos episodios del dolor hasta llegar a la resignación y más tarde, ¿Por qué no? Dejar una ventana abierta a la esperanza.

En una primera lectura del libro es palpable la melancolía que se cuela por cualquier resquicio del verso, haciendo de su lectura una danza en la que todos nos hemos vistos sumergidos alguna vez a lo largo de nuestra experiencia vital. “Acabada la intensa travesía / cuando el olvido ha consumido el llanto / resuenan luminosas las trompetas.” El poeta mantiene una conversación intima de la que nos hace partícipes, manteniendo el interés del lector a través de un discurso hondo y sentido, expresivo y directo, con el que nos envuelve hasta hacernos naufragar en el conocimiento pleno del dolor que en ellos se expresa. Es significativo el tono de advertencia que en algunos casos el verso adquiere, como si el poeta dirigiéndose a un amigo del alma le persuadiera del peligro al que se aproxima “Las palabras se enlazan y acarician / cuando son luminosas. / Mas a veces se vuelve enemigas / oscuras y heladoras…”.

Este libro está formado por poemas cortos que dan al lector una sensación de vértigo en la que el alimento, la estrofa, fluye nutriendo ansiosamente el alma que los acoge como nueva morada.  El verso libre, otra característica esencial de la obra, la imprime de un carácter original que modela el poema hasta darle vida, consiguiendo así captar la atención del lector desde el primer momento de su lectura, ya que le otorga una mayor agilidad. El lenguaje poético del autor es sencillo y depurado, huyendo de la superficialidad de los ornamentos que hacen de la poesía, en algunos casos, algo anacrónico y desgastado, atendiendo a la razón de que la lírica busca decir lo máximo con lo mínimo, es decir, lograr una gran densidad de significado y una alta intensidad expresiva con el mínimo de palabras. “Mi palabra prolonga el pensamiento / y traspasa el cristal de tu mirada” La obra muestra una evolución bastante clara desde el principio al fin, que fluye naturalmente sin ningún tipo de presión sobre los versos. También es importante destacar la dimensión visual de los poemas, así como, la evocación de lugares o personas perdidas, recordadas desde la lejanía y la nostalgia. “En soledad contemplo / cenizas de recuerdo muy felices / que ardieron algún día en la memoria.”   

Podemos concluir diciendo que el efecto normal del amor es sentirse invencible, pero a su paso, tras su pérdida este se muestra implacable “Quisiera entrar al fondo de las aguas, / nadar bajo su luz, / preguntarme por qué, si sembré amor, / cosecho en el final tanta tristeza”.  Y es que las defensas normales de supervivencia desaparecen una a una con su llegada, y el corazón y el alma quedan totalmente expuestos ante la idea fija de que esa persona no habrá de dañarnos “Estas palabras, son como cuchillos. / ¡Cómo cuesta escribirlas / en medio de la noche y el insomnio.” El amor en realidad nos vuelve enteramente vulnerables y eventualmente habrá de haber algún daño. En el amor, nadie sale totalmente indemne. Pero ¿Vale la pena el riesgo? El poeta deja un soplo de esperanza. “Casi he marchado ya, mas sin tristeza / he dejado mis huellas. / Sólo el vacío ya, solo el silencio. / Mas silencio de amor esperanzado.” Siempre el hombre a solas, «desnudo en alma», no obstante, con ese punto, diríase esperanzado, aunque fuere por el deseo de vivir más, de conocer.

Nos encontramos ante un poemario y un poeta capaz de transmitir del modo más sutil los sentimientos que el desamor inflige, de la racionalización del pensamiento como indagador en el alma ávida del amor, poemas, los de este libro, que en algunos momentos reflejan el sentido de trascendencia, de vinculo. Este es un poemario difícilmente eludible para cualquier lector que sepa degustar los versos sin miedo, aunque estos sean espinas que reaviven aquello que una vez sentimos y que nos hizo frágiles como el cristal.


Reflejos en un espejo roto
Miguel Ángel Yusta
Colección Alcalima Nº 146
Primera edición: julio, 2019
Imagen de cubierta: stasknop (Adobe Stock)
Nº de páginas: 126
Encuadernación rústica fresada con solapas
Formato: 148*210 mm.
D.L.: TO 518-2019
ISBN: 978-84-120380-3-3
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NOTA CRÍTICA AL POETA NICOLA FOTI

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero


La sua emotività e profondità si riversano come un diluvio attraverso questi versi con un accento mistico, dove l’amata è l’immagine divina, la chiave estetica dell’esperienza che unisce misticismo e amore.

L’autenticità di ciò che dice il poeta si traduce nell’originalità e nell’atteggiamento con cui riesce a descrivere la profondità dell’amore, sia ideale, sia fisico, verso l’amata, che è descritta come una divinità, associando, quindi, la bellezza della vita «mistica» e la bellezza del linguaggio poetico amoroso.

AVE, MARIA

Tu, Madre di Dio, Immacolata,
Esalasti la tua rossa purezza
Nell’eco dell’estate
Fuoco della tua Terra
Donasti versi di sangue
Brucianti come ferro incandescente
Trascinasti lontano il confine
Fosti il prima ed il dopo
Legasti l’omega all’alfa
Tra i cumuli passati di macerie
Freme ai tuoi piedi
Polvere arsa e fierezza andalusa.

PIENA DI GRAZIA

Dipingerò il tuo ritratto
Rubando arcobaleni
Staglia il nero dal bianco
Le tue forme perfette
Son feroce passione
Seme gettato al vento
Che porterà la Gioia
Nel tuo prato fiorito
I fiori di gennaio
Son più preziosi e rari
Dei fiori in primavera.

IL SIGNORE È CON TE

In ginocchio, le mani al viso
Tu preghi Dio.
Dio, se ti amo
Accoglierti vorrei
Nell’abbraccio immortale.
Moristi sulla croce
Per redimere il mondo
Benedici l’Amore
Che è carne palpitante
Avvinta nel piacere
Genera nuova vita
Due anime ti pregano
Nel desiderio d’essere
Un unico noi insieme.

TU SEI BENEDETTA TRA TUTTE LE DONNE

Partorirai, Maria, senza dolore,
E pura resterai sempre, in eterno
Genererai quel Dio, nostro Signore
Che ci allontanerà da questo inferno

BENEDETTO IL FRUTTO DEL TUO SENO

Vorrei tornare ad esser puro seme
Dal frutto disseccato, ancora vivo
Linfa che scorre nel tuo intimo nido
Proteggi e accogli il frutto col sorriso

SANTA MARIA

Rimanere vorrei, tra i tuoi capelli
Più neri di una notte senza Luna
Avvilupparmi prigioniero in loro
Per cibo solo lussuriosi baci
Calmare fame e sete mie voraci
Entrare in te come una pioggia d’oro

MADRE DI DIO

Offri il tuo seno
A chi salverà il mondo
Dalla lebbra del peccato
E le coscienze putride
Disinfetterà con spirito ardente

PREGA PER NOI PECCATORI

Nell’attitudine a sporcarmi di vita
Ho colto fiori accanto allo sterco
Ne porto ancora i segni sul mio viso
E la mia bocca ha assaporato il vizio
Di un vivere di sbieco ed in penombra
Madonna, Madre mia, di pelle scura
Redimi questa mia vita sofferta
Sei carne e frutto santi
Nella tua nudità c’è la purezza
Di chi ha amato senza mai peccare
Io, perso tra rifiuti e angoli oscuri
Cerco la luce dell’eterno Amore

ADESSO, E NELL’ORA DELLA NOSTRA MORTE

Carnagione olivastra
Nata tra muri a secco
Nelle torride estati, assetate
E strade bianche di polvere battuta
Stordiscono cicale tra le fronde
La lucertola guizza tra le pietre
Tra i cardi ronza pigro un calabrone
Bambina, già segnata
Dal peso di una vita
Avara di carezze
Le trovasti per caso
Abitasti la casa
Piena di meraviglie
Dove musica e libri
Furon le tue bambole
Maria, tu così pura
Candida come neve
Sarai tu manto lieve
Che rinfresca e consola
La mia ultima ora
Nelle tue mani affido
Ultimo sguardo al cielo,
Poi l’odore di terra
Chiuderò gli occhi, Amore
Un ultimo sussulto,
Poi l’eterno ritorno

Nicola Foti

Dalla Silloge «La Novella Maria»
Tutti i diritti sono riservati

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CIEN MIL GOTAS DE LLUVIA | LOURDES PÁEZ MORALES, TOMÁS SÁNCHEZ RUBIO

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero


CIEN MIL GOTAS DE LLUVIA
Autores: Lourdes Páez y Tomás Sánchez
Editorial: ReadBOOK
ISBN: 9788494935237

Decía Francisco Umbral que «Escribir es la manera más profunda de leer la vida», y esto es lo que han conseguido magistralmente Lourdes Páez Morales y Tomás Sánchez en su libro “Cien mil gotas de lluvia” publicado por READBOOK. En una primera lectura del libro, me ha llamado la atención la asombrosa capacidad narrativa de estos dos escritores. Que, a través de un lenguaje sencillo y cercano, alejado de expresiones complicadas y de difícil comprensión nos sorprenderán, y harán de la lectura de este libro un viaje fantástico del cual no querremos regresar por mucho tiempo. Podemos decir que este libro nos habla del vivir, de la maravilla que la vida encierra a pesar de sus sinsabores pasajeros y el lector, por ello, irá haciendo suya cada palabra. Al leerlas, al pensarlas, al pronunciarlas ya que nos sentiremos totalmente identificados en algunas de las situaciones que se narran en este libro. “¿Eres una tía? – gritó Adelina…” “Mati iba a misa con su toquilla y su pañuelo…” Y es que estos relatos tienen algo difícil de definir que te atrapa desde las primeras líneas, algo que te seduce y te sumerge en cada una de las historias.

Lourdes Páez Morales y Tomás Sánchez nos aportan una visión real y cotidiana sobre el mundo que nos rodea, alejándose de la idealización de este. Nos hace una disertación de las relaciones humanas, alejada de los cuentos de hadas que nos contaban en la niñez, en los que el mundo aparece como algo etéreo y en algunos casos totalmente ajeno a nosotros. “Laura entró en el cuarto y vio a su hija sentada al borde de la cama, mirando hacia la ventana. La besó en la frente…” “Cien mil gotas de lluvia”, es un conjunto de historias reales que entretienen, sorprenden, provocan, y que nos retan a plantearnos algunas de las ideas preconcebidas que tenemos sobre lo que nos rodea. Todo ello logra hacernos reflexionar sobre el núcleo central de la vida, en todas sus facetas. Nos sentiremos en muchos casos invadidos por la sensación de haber tenido esas mismas vivencias, incluso conoceremos a alguien que posiblemente ha pasado por esas mismas vicisitudes. “A veces su marido la colmaba de vestidos y zapatos que compraba en la ciudad y aquellos regalos, lejos de acercarlos, los alejaban aún más…” Lo que puedo garantizar es que la lectura de estas historias, independientes las unas de las otras y unidas por la temática de lo cotidiano, no dejarán a ningún lector indiferente, ya que narran situaciones actuales, situaciones vividas ávidamente. “- La vieja esa… Parece que no se da cuenta d ellos años que gasta. Maquillada como una vulgar ramera…”

Los personajes de estas historias se entrelazan hablándonos de si mismos, contando sus historias, sus pensamientos más íntimos, sus deseos, sus decepciones, las esperanzas que hacen la monotonía más vivible, trazando así, el mapa único del que saborea cada segundo del vivir tan efímero. “Es una pobre chica Don José. Vino a España engañada” Son historias cortas, entretenidas y con mucho movimiento. A medida que avanzas en su lectura te vas acostumbrando y te apetece detenerte a releer aquellos párrafos, de vaivén emocional, aquellas descripciones que son fotografías en sepia, tal vez, de nuestra vida cotidiana.

Los narradores utilizan en numerosas historias la primera persona, es el personaje principal de la historia quien la cuenta, siendo él mismo el eje de la narración. “No puedo verte, pero siempre sé cuándo has llegado…” Se convierte en una voz, en una persona que nos habla directamente, lo que hace que sea más real para el lector. “De niña me daba mucho miedo la soledad. Mi padre un día se fue de casa por la mañana y ya no volvió…” Con esto consiguen que empaticemos o rechacemos al personaje que nos cuenta su vivencia. El lector deja de ser un mero espectador de lo que ocurre, para formar parte de la acción y tomar partido a favor o en contra de lo que nos cuenta el personaje principal.

También son numerosas las historias contadas en tercera persona, convirtiéndose ambos autores en narradores omniscientes, cuyo conocimiento de los hechos es total y absoluto. Ellos saben lo que piensan y sienten los personajes: sus sentimientos, sensaciones, intenciones, planes… Como narradores solo muestran lo que ven, lo que pueden observar, de modo parecido a como lo hace una cámara de cine. Y de igual modo, nos dirigen, nos dan su percepción sobre el personaje, no dejando a nuestro albedrío la opinión que sobre ellos debemos tener, sin dejarnos por ello, un atisbo de libertad. En esta ocasión los autores nos tienen en sus manos. “Sean como sean, los amores verdaderos, con final feliz o no, vecen cualquier revés que presente el camino de la vida”

Los diálogos de los personajes son fluidos, dinámicos, concisos y emplean un lenguaje sencillo. Lo que hará que la lectura sea agradable para el lector, que no se saltará ninguna coma, ni dejará la lectura de ninguno de los relatos, “Madre ¿Cuándo seré feliz?” También añade cortes, preguntas y comentarios para hacer la conversación más fluida. “- La pequeña Nayaraq pensó que su madre había augurado con aquella respuesta su eterna infelicidad”

Les invito a leer CIEN MIL GOTAS DE LLUVIA y a dejarse invadir por cierto desasosiego ante el arte del vivir. Unas historias sin trampa ni cartón, que nos sumen en la cotidianidad de los días, en nuestra propia imperfección que hace maravilloso el pulso diario de nuestro viaje vital.

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LITERATURA DE CORDEL

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero


Hace un año leí un artículo que llamó mucho mi atención, hablaba sobre la llamada “Literatura de cordel” en él se hablaba de sus orígenes y se detallaban los lugares dónde este tipo de género literario había sido importado. Siendo como soy una apasionada de la literatura medieval y renacentista, no puede hacer otra cosa que investigar más a fondo sobre el tema. Espero que os parezca tan interesante como a mí me lo pareció y me lo parece.

La literatura de cordel es un género de carácter popular escrito en verso, su origen es tanto oral como escrito. Este tipo de literatura era distribuida a través de los llamados “pliegos de cordel”, que eran unos cuadernillos impresos que no estaban encuadernados y eran exhibidos en unos tendederos de cuerdas para ser vendidos, de ahí su nombre. Su origen se fija en la península ibérica (España y Portugal) y se importa a las colonias de ambos países, siendo en Brasil dónde adquiere su mayor importancia. Los temas que narran son de carácter popular (Sucesos cotidianos, episodios históricos, legendarios o religiosos). Por todo lo anterior podemos decir que se trata de un tipo de literatura cercana al romance o las coplas de ciego.

En cuanto a su forma, podemos decir que están escritos siguiendo el estilo del romance y en muchas ocasiones acompañadas de xilografías. Las estrofas más utilizadas son de dos, seis o diez versos. Lo que favorecía su memorización por parte de los vendedores que los reciban o cantaban en las plazas y en las ferias. Este tipo de literatura al igual que los romances, eran acompañados por instrumentos como la zanfona, el violín, la vihuela, etc. Solían ser vendidos por mendigos o invidentes.

Como ya hemos citado el origen de este tipo de literatura es luso-español, y se sitúa dentro el ámbito histórico de la lírica cancioneril y del romancero del Prerrenacimiento, como se percibe en la obra del renacentista Gil Vicente, situándose por lo tanto en el mismo contesto que la lírica germanesca y las narraciones de aventuras. La literatura de cordel se extiende al teatro del Siglo de Oro. En Portugal y Galicia, por su modo de comercialización recibe el nombre de “Folhetos”. Su expansión a las colonias se realiza a través del comercio marítimo. Pero no solo a las colonias sudamericanas sino también a los reinos de Nápoles y Sicilia, donde este tipo de literatura fue muy apreciado.

Miguel de Unamuno en uno de sus escritos, define este tipo de literatura del siguiente modo:

“Aquellos pliegos encerraban la flor de la fantasía popular y de la historia; los había de historia sagrada, de cuentos orientales, de epopeyas medievales del ciclo carolingio, de libros de caballerías, (…) de hazañas de bandidos, y de la guerra civil de los siete años. Eran el sedimento poético de los siglos, que después de haber nutrido los cantos y relatos que han consolado de la vida a tantas generaciones, rodando de boda en oído y de oído en boca, contados al amor de la lumbre, viven, por ministerio de los ciegos callejeros, en la fantasía, siempre verde, del pueblo.”

Parece comprobado que en España los poetas de tradición culta no fueron partidarios de la divulgación de sus poemas en pliegos sueltos, sin embargo, en Portugal fue el medio tradicional e incluso preferido por vates como Gil Vicente, Baltasar Dias, o Nicolás y Antonio José da Silva. Y así queda referido que los «folhetos» de estos y otros autores se vendían en los tenderetes de las escaleras del Hospital de Todos los Santos de Lisboa y, aun después, en el Arsenal y en la arcada Norte del Terreiro do Paço. Asimismo, en el Cancionero General publicado en 1516 y 1517,3 que recopiló García de Resende recogiendo la obra de 280 autores, aparece ya una clara influencia de la literatura de cordel en la poesía culta y viceversa.


BIBLIOGRAFÍA:

Palabras para el pueblo. Vol. I – Edición: Luis Díaz Vian (ISBN: 978-84-00-07911-6 / Editorial Consejo Superior de Investigaciones Científicas)

Los sefardíes y la poesía tradicional hispánica del siglo XVIII: el Cancionero de Abraham Israel (Gibraltar, 1761-1770) – Paloma Díaz-Mas; María Sánchez Pérez (ISBN: 978-84-00-09670-0 / Editorial Consejo Superior de Investigaciones Científicas)

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NICOLA FOTI | EL POETA DEL CORAZÓN Y LA PALABRA «VIVERE DI SBIECO»

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero


VIVERE DI SBIECO
Nicola Foti
Intermedia Edizioni
ISBN:  978-88-6786-043-2

El poeta Nicola Foti bajo el título “Vivere di sbieco”, publicado en la editorial Intermedia Edizioni, nos presenta un trepidante y apasionado poemario que nos habla de la vida en su estado más puro a través de uno de los sentimientos que más mortal hace al hombre “el amor”. Y es que este es un poemario que nos habla de amor sí, pero de amor en mayúsculas, del amor que nos ciega, del amor que sufrimos, del amor palpitante en todos sus estados y como no, de la vida que nos es tan cotidiana y que saboreamos en nuestro recorrido vital en todos sus matices, como aquí nos muestra el poeta. “Un giorno quasi andato, / evaporato, dissolto/ In chiaroscuro / Viaggio dentro me stesso”” Le tue parole incantano / son balsamo per gli altri / E veleno per te / Forse un giorno vedrai / Che l’amore / Si nutre di sè / E non per forza di dolore”

En “Vivere di sbieco” el poeta se deshoja, se confiesa, entabla una conversación consigo mismo y ciertos momentos con la amada, amada que aparece como un elemento onírico que le acompaña a largo de este diálogo poético. “Ho visto la tua foto / quella che nasconde i tuoi occhi / Dove ogni espressione / Ogni sentimento è negato / E misero mistero /come un fantasma” También aparece el amor hacia el padre, en un poema con el que no hace partícipes de la pérdida, de la trágica y dolorosa pérdida. “Ogni tanto ti penso / Confuso nella routine quotidiana / Ormai vivi dovunque / E in nessun luogo / Ma quando passo / Davanti al Verano / Vedendo i cipressi / Slanciati verso il cielo / Dietro le mura / La fitta si fa piú forte / Padre mio”

En una primera lectura podemos apreciar las luces y las sombras que envuelven este poemario, la necesidad del autor de confesar todo aquello que le atormenta y causa la sangrante herida que su alma posee. Todo esto lo hace con gran eficacia a través de un lenguaje sencillo, limpio de polvo y paja que pueda llevar al lector a equívoco con respecto de lo que se quiere expresar en el poema. Esta sensación de poesía a flor de piel nos acompañará a lo largo de toda la lectura de este poemario. “Alla fine di tutto / Nessuno vincerà / D’amore crudele / Cessino le ostilità / Ora riposa in me / E forse / Solo per un istante / Guariremo”.  Lo anterior no impide que los poemas hayan sido escritos con un lenguaje rico en simbolismo, metáforas y demás recursos inherentes al discurso poético, pero cabe destacar que esta flexibilidad lingüística hace que los versos que aparecen en este poemario den la sensación de poesía viva y cercana, y en consecuencia consigan llegar al lector como una fina lluvia que cala hasta la misma alma.

En cuanto al lenguaje también es necesario decir, que se trata de un lenguaje afilado, que va directamente a la cuestión que trata de abordar, lo que hace que ha lucha interna que sostiene el poeta sea evidente a lo largo de todo el libro “Nel cuore / Solo sangue rappreso / Che non scorre / Ma scorre questa vita / E fuggi dalla tua / Nei silenzi oltraggiosi / Nelle tue mani giunte / Aride di preghiere / A un dio che non esiste”. 

Nicola Foti opta por la utilización de versos cortos en la mayoría de los poemas que forman parte del poemario. Dando así una mayor intensidad y dramatismo a la obra y haciendo que sean cortantes como bisturíes que necesitan llegar al alma, para llegar a comprenderse. Todo esto propicia cierta sensación de vértigo, que nos precipita en la lectura voraz de todos los poemas que forman dicho libro y que habrán de formar parte de las baldosas que van cimentando nuestra opinión como lectores. “Sarai tenue respiro / E battito / quando saremo / Unico corpo / Sospeso il tempo / L’anima / Si dilaterà / E silenzi / Solo energia / Scorrerà /  Come in un fiore / Vivrà / La bellezza / Che muore / Ancora viva” El poeta nos conduce a través del dolor, la soledad, la angustia de la ausencia, el amor logrado y el algunos caso a través de la pérdida más sentida y arrebatada. Dejando siempre un resquicio para la esperanza. “Cercammo rifugio / Nell’alba celeste…”

Este poeta lejos de abrazarnos con un verso frío lleno de retórica nos sitúa en el mismo centro de la acción, de su experiencia vital. Haciéndonos partícipes de su dolor, de su gozo, del amor, de la felicidad, haciendo que su universo emocional también sea el nuestro.

“Vivere di sbieco” de Nicola Foti es sin duda un poemario que no se debe dejar de leer, que no nos dejará indiferentes ante su lectura y posterior compresión, y que recomiendo a todo aquel lector que sienta preferencia por la poesía con cierta reminiscencia romántica, que se sienta atraído por la pureza sin trabas del sentimiento humano. Por la poesía desgarrada que nos lleva a pensar que el amor sea cual sea su naturaleza es la sustancia con la que la vida alienta su pulso y al fin nos hace humanos y tal vez vulnerables.

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SENDERO DE SENTIMIENTOS | MARGARITA CAMPOS SÁNCHEZ

Aquel sillón de cuadros

Por: Inma J. Ferrero


Decía Almudena Grandes «Luego alcance a comprender, que el tiempo nunca se gana, y que nunca se pierde, que la vida se gasta, simplemente» Y es que, este es el tema central de este poemario que hoy presentamos el vivir en toda la dimensión de la palabra. En “SENDERO DE SENTIMIENTOS” de Margarita Campos Sánchez, la poeta nos habla en primera persona del saber vivir, de macharse el alma con cada sentimiento, a pesar de la herida que pueda causarnos. Por ello es este un sendero que debe recorrerse a pleno latido. Latido que nos lleva desde lo cotidiano a lo universal, y que da sentido al transcurso de los días a través de los momentos.

“Despierta,
que la vida te pertenece.
Solo tú debes vivirla.
No pienses en plegarte
cuál rama de olivo tierna.”

(Momentos, pág. 23)

“SENDERO DE SENTIMIENTOS” es una declaración poética sincera, pero también se trata de una poética dura e inflexible, donde los ángulos difusos que conforman la realidad son plenamente tangibles. Ya que, a través del verso, la poeta expresa sus dudas, miedos, anhelos e ilusiones, y como no, en este poemario la autora también nos habla de amor, pero no solo limitándose al amor hacia el amado, sino el amor más universal, mezclado sabiamente en su paleta vital ejemplo del vivir bien aprovechado.

“Si pintar se pudieran los besos y
las caricias pudiéramos plasmar.
Si diéramos color a la risa
y llenáramos de trazos al amor.”

(Pinceles, pág. 201)

La poesía de Margarita Campos Sánchez es intimista, fluyente, sincera, rítmica y ecléctica. Dónde el verso adquiere la personalidad pura de la voz sin subterfugios. Desnudos sus poemas del artificio de la retórica, adquieren una dimensión vital, dónde los sentimientos se muestran a flor de piel reclamando el derecho de alcanzar las más altas cimas. Este libro formado en su mayor parte por poemas cortos dará al lector la sensación de vértigo, la sensación insaciable de llegar al siguiente verso como único modo de alimento. Se advierte en este libro la transparencia en la expresión de percepciones y sentimientos abiertos de par en par; sin embargo, la poeta hace un uso magistral de la cadencia rítmica que otorga musicalidad y sublimación a las emociones, como en toda buena poesía debe suceder. Abunda el lirismo de la palabra buscando la sonoridad en la forma en cuanto a lo que se pretende transmitir. Destacan igualmente los paralelismos, las metáforas, y las personificaciones bien logradas de elementos percibidos por el sujeto poético que reflejan el estado anímico del mismo.

“Susurra este viento palabras dulzonas
como azúcar morena que derretida llega y
endulza sus hojas,
las palmeras la lamen golosas.”

(Palmeras, pág. 213)

Como ya he señalado, Margarita Campos Sánchez partiendo de los aspectos más cotidianos, nos va introduciendo y haciendo cómplices de sus más íntimos recovecos interiores: la soledad, la nostalgia, las heridas, pero siempre dejando la puerta abierta al amor, parte importante a lo largo de todo el poemario. Ya que es la conquista de este bálsamo el que endulza el alma y de donde surge la esperanza y la fuerza para continuar el camino. Otra parte esencial de este libro es la forma de concebir las sensaciones a través de la claridad expresiva sin ambages ni máscaras que permiten el acercamiento con el lector, quien recibe esa carga emotiva de forma directa como si de una música se tratara.

“Nuestros corazones laten
un poco más fuerte
ante este nuevo tiempo.
Solo faltas tú.
Dulce amor ausente.”

(Belleza, pág. 27)

De “SENDERO DE SENTIMIENTOS” de Margarita Campos Sánchez puedo decir como conclusión que es un poemario donde la emoción se convierte en voz poética que trasciende la estricta realidad que nos rodea y que se transforma de este modo en bella melódica que no deja indiferente.


“SENDERO DE SENTIMIENTOS”
Margarita Campos Sánchez
Editorial: Círculo Rojo
Colección: Poesía
ISBN: 978-84-9194-143-9
Formatos: Tapa blanda
Tamaños: 15×21
Páginas: 277

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ELISABETTA BAGLI | LE NOSTRE DUE ANIME

Quel divano a scacchi

A cura di Inma J. Ferrero

Traduzione di Elisabetta Bagli


C’è una specie di magia nell’universo dei libri, un universo di voci che stampa il segreto unico di ogni scrittore o di ogni poeta. Ciò si manifesta in molti modi e uno di questi avviene quando vedi un libro in un istante e sai, senza una ragione apparente, che ti piacerà. Questo è quel che mi è successo con «Le nostre due anime» di Elisabetta Bagli. In questo magnifico libro, l’autrice ci presenta un’opera dedicata alla poetessa Elizabeth Barrett Browning, ma non dobbiamo sbagliarci pensando che questa sia un’opera che elogia la poetessa alla quale è dedicata. No, in questo libro le poesie parlano della realtà multiforme che abbraccia l’amore, apparendo come la bellezza unica della vita. Forse perché è l’amore che ci rivela come esseri veramente vulnerabili, e di conseguenza più umani quando ci ritroviamo spogliati degli strati che ci proteggono dal freddo che governa il mondo.

“Dime, mi amor,
¿puedes escuchar las notas
de nuestra canción?
¿Vivir en la distancia
la luz y sus matices?
¿Ver crecer los árboles
y sus frutos,
sin la intimidad de mi presencia?”

(Latidos, pág. 3)

Nella struttura delle poesie c’è un’ombra che ci sfugge sempre, qualcosa che ci viene detto, ma non appare. E quell’ombra, vaporosa e inafferrabile, sembra mettere in discussione tutto ciò che sappiamo sull’amore. Questo rende la lettura delle poesie insaziabile dall’inizio alla fine, e ad ogni lettura troviamo qualcosa di nuovo che lo rende unico. Le poesie d’amore di «Le nostre due anime» cantano la pulsione indomabile, il desiderio insoddisfatto, l’amore rimosso, l’amore pienamente realizzato, l’erotismo e la fine, l’amore tenero e dolce come la migliore delle prelibatezze.

“Quiero alas para volar
y llegar a ti,
quiero alas para tenerte
en mi pecho una vez más.”

(La escalera, pág. 12)

In questo libro i versi ci permettono di intravedere vari scenari e diverse ragioni, come l’esistenza, il corpo, il tempo o la memoria che soggiacciono all’amore senza far perdere alla poesía la sua verità. Un’altra caratteristica di questa silloge è la precisione con cui vengono utilizzate le parole in ognuna delle poesie, producendo una sorta di flusso sonoro in cui ogni verso scorre senza alcuna difficoltà; ciò avviene perché l’autrice non ha dimenticato il lavoro principale che il poeta deve eseguire, ovvero quello di non estasiarsi negli angoli della bellezza solo per celebrarla, neanche nel parnaso del ritmo ipnotico della cadenza, ma ha saggiamente sottolineato che il compito principale è la conoscenza. Per questo motivo la poetessa è insistente, persuasiva e sempre sorprendente in ognuna delle liriche che compongono questo bel libro di poesie. Si osserva un equilibrio tra i versi più tangibili e difficili, con la tenerezza delle immagini che non lasciano il lettore alle intemperie. Possiamo notare, poi, che in questo libro l’autrice non solo è riuscita a lasciare il segno per quel che riguarda l’amore, rendendolo nuovo, come qualcosa da scoprire nella retorica amatoria, ma anche a convertire la poesia nello spazio propizio a sciogliere la matassa inesorabile dell’atto poetico.

“Te vi llorar
mientras tus ojos
buscaban aquel abrazo
que yo no pude darte
y que ahora te daría.”

(Te vi, pág. 19)

Le poesie nascono sostenute dal verso libero, spogliate della freddezza che, a volte, la métrica, impone alla poesia. Elisabetta Bagli, ricrea efficacemente l’atmosfera del suo Io più intimo in tutto il libro, in cui l’amore è condiviso e vissuto dai lettori, poiché fanno proprie le loro parole dei versi poetici, riconoscendosi in alcuni di essi. Un’altra caratteristica importante è il suo linguaggio a volte pieno di aggettivi nella descrizione, e talvolta con la semplicità propia della riflessione, che in questi casi non appaiono mai come contrapposti. Siamo, quindi, di fronte a un libro che distrugge e costruisce allo stesso tempo, per formare un nuovo elemento che ci porta al quotidiano del nostro vivere e sentire.

“Nadie sabe qué corona de espinas
es nuestro secreto
anclado en el pensamiento
que nos atenaza y nos libera,
que nos hace vivir y amar;”

(El hilo, pág. 11)

Le nostre due anime di Elisabetta Bagli è una silloge poetica la cui lettura non è solo gradevole, ma provoca l’emozione naturale della buona poesía.


LE NOSTRE DUE ANIME
Autor: Elisabetta Bagli
Editor: Il Convivio
ISBN-10: 8832740664
ISBN-13: 978-8832740660

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