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ALEJANDRO VICO : «LA POESÍA ES LA FUENTE DONDE DEBERÍA BEBER, TODA LA GENTE QUE ASPIRA A GOBERNAR.»

Por: Isabel Rezmo


Hay personas que realizan una labor poética, en silencio, inmensa y carente de precios o de intereses creados. Personas que van únicamente por y para la cultura. Que ayudan y ofrecen su espacio, su tiempo de manera desinteresada. Hay algunos hombres en definitiva, que salvan a la poesía de su fórmula más fría y desvirtuada.

Hoy nuestra revista se abre a una conversación pausada, tranquila, para acercarnos a una forma de entender la poesía de una manera mucho más humana, cercana.

Hoy entrevistamos a Alejandro Vico Alonso. Una entrevista diferente, amena y distendida.

Alejandro ama su pueblo, La Carolina. Ama su historia, Su pasado minero. Lo muestra agradecido.

Alejandro nació en La Carolina. De él podemos destacar que es autor de numerosas poesías y varias trilogías, relatos cortos entre ellos “Años 74”. Coautor del CD. a beneficio de la lucha contra el Alzheimer de La Carolina. Coautor de la antología poética 2017 de poetas de Sierra Morena. Miembro de la asociación Nacional de escritores españoles. Miembro de la asociación Anduxar. Miembro de la Asociación poetas de Sierra Morena.

RP: ¿Cómo se define Alejandro Vico Alonso?

AV: Como un abuelo, como una persona apacible, tratando de buscar los troqueles que me puedan permitir, ser una máquina de impartir paz, igualdad y amistad.

RP: ¿Cuándo comenzó en moverse en ti,  el interés por la cultura, poesía?

AV: Siempre,,  Tener en cuenta, que pese a lo dramático de mi vida,  he vivido en un ambiente de cultura,, trabajando y estudiando con un Maestro que fue  alumno de la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, hasta  después de estar casado.

RP: ¿Qué es lo que más te aporta?  ¿Qué autores te gustan más?

AV: Me aporta una estabilidad emocional generosa, ya que me permite sacar todo lo que a lo largo de los años se han ido acumulando. Tengo muchos autores pero por ser escueto; entre los que ya no están, me encanta la sencillez de Eulogio Muñoz Navarrete, Miguel Ángel Buesa, el poeta eternamente enamorado, Antonio Machado por sus dotes de impartir y de hacer camino, Sor Juana Inés de la Cruz y Gloria Fuertes ,  pero sobre todo dos…  por su lucha y dramatismo:  Miguel Hernández y Federico García Lorca.   Y de los que aún tenemos entre nosotros, sin duda el argentino: Carlos Alberto Boaglio ,  José María Lopera, junto a mi amiga Nana Schmith.   

RP: Una pregunta difícil: ¿Qué es  para ti la poesía?

AV: Para mí la poesía es la fuente donde deberían beber, toda la gente que aspira a gobernar. La poesía, es el reflejo de lo que ocurre en nuestras vidas y por tanto, lo que deben de entender todos aquellos que gritan Libertad y nunca acuden a un Recital.

RP: Eres miembro activo de la Asociación  de `poetas de Sierra Morena, te mueves en otras asociaciones y colectivos. ¿Cuál es el motor de toda esta actividad? ¿Cuándo comenzaste?

AV: Poetas de Sierra Morena era un grupo de Facebook, actualmente ya es una Asociación cultural de la que participo en la organización de la antología poética y el concurso internacional  José María Lopera  (Olivo mítico). También participo en ACMICA (asociación cultural minera carolinense), (asociación de familiares del alzhéimer) Felipa Delgado, ASAM (asociación social de ayuda al mayor), la asociación multicultural ANDUXAR y otros colectivos con los que participo de manera puntual como la asociación Vecinal del Centenillo, Asociación de Párkinson, también soy presidente de la asociación cultural ornitológica de las nuevas poblaciones.

El motor fundamental, es tener la experiencia de la vida vivida y tratar de cumplir con el compromiso que todo ser humano debería tener como objetivo, dejar este mundo cuando me marche un poco mejor que me lo encontré cuando llegue.

Comencé muy jovencito, aunque sin ser consciente de ello, hacía de correo entre los 5 o 6 personas de izquierdas. Después en la clandestinidad tuve una actividad frenética, formando Agrupaciones Locales  y en las primeras elecciones Sindicales,  a raíz de esto trabajé de manera decidida en el Asociacionismo y Cooperativismo, junto con los Informativos de la Televisión Local, donde ya comienzo a dar a conocer algo de mi trabajo en el mundo de la poesía. Aunque de manera definitiva,,  sería con el nacimiento de ACMICA y su Concurso de Cante de las Minas, cuando decido hacerlo con mi incorporación a la Unión Nacional de Escritores Españoles.

RP: ¿Cómo ves los colectivos que te rodean, el mundo cultural de ahora?

AV: Veo los colectivos que me rodean con muchas ganas de hacer cosas.  De darle alas a la Cultura, con iniciativas que cuestan sudores y lágrimas hacer entender a los políticos, será tal vez!!  que cuando se ostenta cargo político se necesita ignorancia para tener clientelismo, decía Santa Teresa de Jesús, “Sí sabes leer y escribir, gobernaras tu vida,  si no sabes hacerlo, otros la gobernaran por ti”. Otro problema tal vez, es como digo en un poema, El puto ego de cada persona y la falta de agrupación de actividades, no terminamos de entender que un palillo de dientes solo  se rompe con toda facilidad,,  pero muchos palillos juntos…  Es casi imposible romperlos,,.  Tendemos a tratar de ser elitistas sin tener en cuenta, que el trabajo de base para generaciones venideras,  es mucho más importante,  ya que los mayores más o menos estamos formados, pero a la mayoría de la Juventud,   le suena a chino la Literatura y la Poesía.

RP: En tus actividades, siempre hay una palabra, un gesto, una voz a favor de los mineros. Linares, Guarromán, Carboneros, La Carolina ….el poblado de El Centenillo -Baños de la Encina. Una realidad patrimonial tan relevante como la vinculada con la actividad minera en Andalucía. ¿Qué queda en la zona de La Carolina de su pasado minero?

AV: Queda mucha historia,  mucha memoria en familiares para los cuales,  los mineros eran sus héroes.  Queda rabia y sentimiento,  al recordar su manera de entregarse y de mirar cada día cara a cara la muerte.  Entregaban sus vidas y eran la locomotora de la economía. Quedan mineros y amigos que están haciendo recreaciones mineras en un aula de La Carolina con ACMICA y las publicaciones del colectivo Arrayanes de Linares.

Quedan Minas Pre Romanas  que pueden ser el motor de una economía Turística, pero la miopía,,  a veces clamorosa  de los mandatarios ,, que prefieren encerrarse  en despachos y reuniones interminables,, no viendo más hayá  de una plataforma para vivir de la política. Perdiendo de vista la realidad  Social.

RP: Ahora cuando la plenitud de la vida, nos envuelve, y nos pide más tranquilidad; mirarnos más a nosotros mismos. Conocer nuestras posibilidades…¿Qué le pides a la vida? ¿A la poesía? ¿A la gente que te rodea?

AV: A la vida le pido que el aprendizaje que aún me queda, sea más sosegado que hasta ahora, y humildad,  para transmitir la experiencia acumulada.

A la poesía le pido, que el jardín donde florece entre palabras los versos, ningún/a  poeta permita que se seque, cuidándolas  con todos sus esmeros, ya que son muchas las palabras  y para cuidarlas,   muy  pocos  los Jardineros.

Y  la gente que me rodea,  le pido paciencia para aguantarme cuando se abren los infiernos del sentimiento y me sitúan fuera del contexto familiar y de amistad,  ya que es cuando,  me encierro en el lado oscuro de mis pensamientos y mi historia pasada

RP: Muchísimas gracias por acompañarnos.

AV: Gracias a todos los que hacéis la revista,  especialmente,  a Isabel Rezmo por ofrecerme con esta entrevista. Y la posibilidad,  de que lo/as  lectores  conozcan un poco más este Minero aficionado a las letras.

 

 

 

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ANGEL MARCELO | COMO EDITOR PREVALECE EN MI EL CONCEPTO DEL BUEN TRATAMIENTO DE LA LENGUA Y SUS FORMAS

Por: Isabel Rezmo


Hoy en día es evidente la cantidad de poesía que se edita, y la cantidad de “poetas” que escriben.   La línea que divide el hecho de publicar y ser buen poeta difiere muchísimo, puesto que la auto publicación ha sido el gran descubrimiento para que cualquier persona, cualquier escritor más o menos consagrado, más o menos bueno, tenga acceso a la posibilidad de ver su libro publicado.

Pero Proverso lejos de poner esta crítica ya de por si caliente, en el tejado de los demás o de crear polémica, intenta mostrar esa realidad,  y también la realidad de las nuevas editoriales: sus objetivos, sus logros y la ayuda que están ofreciendo a los poetas y escritores que tienen dificultad  a la hora de publicar; y además está ofreciendo nuevos servicios  y posibilidades al resto.

Pero si decimos que además de editores son poetas, la cosa cambia.   Es mucho más loable. ¿El poeta puede ser buen editor? La historia nos dice que es posible.

En la segunda mitad del siglo XX y en la primera década del siglo XXI, las condiciones materiales relativas a la divulgación de la poesía de vanguardia se convirtieron en objeto de interés para la crítica.  Los editores y los poetas apuestan por nuevas estrategias de proximidad y confianza. En una dinámica parecida a la que dio origen al poeta-crítico –teórico y a la vez practicante de su arte–, hoy día son numerosos los casos de poetas-editores que hacen de su práctica editorial un verdadero manifiesto poético.

Entre ellos hemos encontrado a un compañero en el camino, que hace muy pocos años abrió la puerta a otras posibilidades  poéticas y editoriales: Hablamos de la Editorial Tarqus; al frente de la misma encontramos al también poeta,  Angel Marcelo

Editor, poeta y periodista. Editor en Tarqus Editorial, un proyecto que busca fundamentalmente ayudar y promover al escritor independiente a ver su obra publicada y difundida. Como poeta y escritor ha participado  en todas las antologías de Poetas en Red ; en las antologías de Poesía en Microrelato Compostela de 2016 a 2017;  en el libro 22 Rincones de Valladolid editado por la Asociación Habla, en las antologías de Cien Poetas en Mayo de 2017, 2018 y 2019. A partir de 2019 se encarga de la VI Antología del Encuentro Internacional de Poesía “Ciudad de Úbeda”.

Actualmente coordina junto a Diego Horschovski el Ciclo de Poesía e Microrelato Compostela, por cuarto año consecutivo, y por segunda temporada el SLAM POETRY Compostela asociado al circuito nacional. En radio realiza y conduce  dos programas   de radio en la sintonía digital de Radio Campus Culturae  de Santiago de Compostela :

www.radiocampuscultura.org:

Tren de Medianoche. Viernes a las 23 h

Poéticamente incorrectos martes a las 20:30 h

RP: Buenas Tardes Ángel, ¿cómo surgió la Editorial Tarqus?

AM: Surge casi por necesidad aquí en España. En el año 2013 por temas de la crisis tuve que reinventarme y decidí volver a las fuentes: el diseño gráfico, la edición  y el periodismo. Desde el año 2009 ya venía realizando distintas antologías de los Encuentros de Poetas en Red y otras asociaciones y al quedarme desempleado con cincuenta y tantos, no dudé en profesionalizar esa  faceta que estaba llevando a cabo y que además, me gustaba.

RP: Hasta la fecha ¿cómo valoras la trayectoria que ha seguido la editorial? ¿Tus objetivos a corto/largo plazo?

AM: Oficialmente la editorial tiene tres años de vida, aunque la actividad hubiera comenzado antes. No puedo sentirme más satisfecho con la forma en que ha ido creciendo, teniendo en cuenta que es un proyecto hecho desde cero, sin créditos ni otro tipo de apoyo. Mis objetivos a corto plazo son que año tras año continúe creciendo tanto en la familia de autores como el en volumen de ediciones. En el largo plazo sueño con que llegue a ser un referente de las editoriales de autores independientes.

RP: Al hacerte editor, ¿Dónde queda el poeta? ¿El poeta se hace partícipe a la hora de editar; es decir,  prevalece en algún momento?

AM: La edición es un trabajo como cualquier otro. No es necesario ser escritor o poeta para llevarlo a cabo, aunque ayude estar en el meollo. Un editor, ya sea de una pequeña editorial como de una gran compañía necesita un alto grado de empatía y mucha intuición. Cuando empiezas a trabajar con un autor, antes o después acabará revelándote su vida, tal vez porque de algún modo quiere asociar su obra a su propia experiencia. Es por eso que un editor tiene que tener algo de la sensibilidad del psicólogo. Y cuando hablo de sensibilidad me refiero a la capacidad de captar el mensaje rápidamente. Como editor prevalece en mi el concepto del buen tratamiento de la lengua y sus formas, que en definitiva, es la materia prima de la escritura. Luego habrá trabajos que conmuevan a unos o a otros, pero eso ya sería tema para otra nota.

RP: También  te asomas  a la radio, a la fotografía. ¿Te queda algo por  descubrir?

AM: Bueno, la fotografía es una pasión desde la niñez casi y la radio un medio que siempre me llamó mucho la atención, porque no te olvides que soy de una generación que se crió con la radio. Entonces esa inquietud que siempre tuve sumada a la formación periodística, me llevó a meterme en ello en cuanto tuve una oportunidad, pero la realidad, es que lo hago solo por placer, así como otros van al cine, yo salgo a hacer fotos o me meto dos horas en un estudio. Me gusta la naturaleza y me quedan por descubrir los ochomiles del planeta, pero creo que a eso en esta no vida no llego.

RP: ¿Cómo ves el mundo editorial que te rodea?

AM: Es un mundo en plena expansión. Hay un nicho de mercado importante y la prueba es la gran cantidad de fusiones que se producen entre los grandes a nivel global. Por otra parte las nuevas tecnologías digitales han democratizado al sector (por usar un término tan de moda) y esto ha promovido el surgimiento de pequeños sellos editoriales por todas partes. Obviamente, como ocurre en todos los ámbitos, cuando se produce una burbuja, aparece mucha improvisación y “cantamañanismo”. Pero creo que es un camino que hay que transitar. Al final siempre quedan los que trabajan de un modo honesto y profesional.

RP: ¿Crees que hay demasiada saturación de autores? ¿Crees que la calidad queda un poco al margen, frente a lo comercial?

AM: Por lo que decía antes, las tecnologías digitales permiten hoy pequeñas tiradas a bajos costos. Hoy cualquiera puede escribir y editar un libro. La gente siempre escribió y celebro que así sea y que quede demostrado. La saturación surge justamente, porque cualquiera que escriba puede ver su obra publicada, ¿pero quién puede quitarle ese derecho a nadie? Ahora, no creo que esto haga que la calidad quede sometida a lo comercial, ya que antes cuando la escritura era una profesión de elite, también primaba lo comercial por sobre todo lo demás. Y nunca nos olvidemos que estamos en una sociedad de mercado: si algo se vende es porque alguien lo compra.

RP: ¿Cómo te acercaste al mundo de la poesía?

AM: Siempre fui un lector asiduo sin llegar al fanatismo. Hice mis pinitos de escritura en la adolescencia como casi todos, pero fue recién después de los veinticinco años que comencé a escribir pensando en compartir mis letras y experiencias. De ahí en más no paré, sobre todo porque me ayudó a crecer como persona.

RP: ¿Autores preferidos?

AM: Bueno hay muchos… ¡cómo nombrarlos a todos! Pero para no dejar la pregunta huérfana, te puedo citar a Cortázar, Benedetti, Pessoa o a Jack London, Simenon, Hemingway, Baricco, Auster.

RP: De los libros que llevas editados, ¿alguno que sea especial?

AM: Que pregunta difícil. Tal vez mi respuesta te parezca una pretensión de ser políticamente correcto, pero son todos especiales. Pero ¿sabes por qué ocurre? porque trabajo íntimamente con cada autor en cada libro. Ver un libro llegado de imprenta es una alegría inmensa; verlo en las manos del autor es ya un valor agregado.

RP:  Para finalizar algo que desees expresar.

AM: Ya que me das la oportunidad, me gustaría romper una lanza por la autoedición como camino válido de difusión y por los autores que lo eligen. Se tiende a asociarlo con precariedad y falta de autoestima pero no es asi. Decir “yo no pago por editar” o aconsejar, “no pagues por editar” es quitarse o quitar un derecho que tenemos todos. Si rascamos un poco hallaremos más oscuridad en el mundo editorial tradicional que en el mundo de la autoedición.

RP: Muchas gracias por asomarte a PROVERSO

AM: Gracias a PROVERSO, por esta oportunidad y contad conmigo y la familia Tarqus para todo lo que ayude a difundir cultura. Siempre.

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FRANCISCO ACOSTA | LA FILOSOFÍA PIANÍSTICA DE LAS TECLAS SENTIDAS

Por: Inma J. Ferrero


Francisco Acosta conjuga la interpretación pianística con su labor como profesor de piano, lenguaje musical, coro, Introducción a la Historia de la Música y Armonía Elemental en la escuela Municipal de Música de Las Cabezas de San Juan (Sevilla). Al mismo tiempo, desarrolla un intenso trabajo como compositor, labor que realiza siempre de un modo muy ligado al lenguaje pianístico que tan bien conoce.

¿Cuándo comenzaste tus estudios de música?

De niño jugaba con los teclados Casio PT-80. Unos instrumentos minúsculos que se acompañaban armónicamente con una sola tecla que reproducía el acorde tríada. Ahí empezó mi periplo con el piano. Más tarde y, a una edad ‘avanzada’ (27 años) según los cánones estándar, cursé mis estudios oficiales en el Conservatorio Superior de Música “Manuel Castillo” de Sevilla y abundé en mi formación en muchas Master Class organizadas por los Conservatorios Superiores de Música de Sevilla, Madrid, Barcelona, Córdoba y otras instituciones privadas; cursos impartidos por catedráticos de piano y compositores de prestigio internacional como Guillermo González, Ana Guijarro, Juan Miguel Moreno Calderón, Ramón Coll, Luca Chiantore, Javier Van Baumberghen, Emilio Molina, Leo Brouwer, Fernando Velázquez, etc.

¿Por qué el piano y no otro instrumento?

Mi interés por el piano se lo debo a Jon Lord y a Beethoven. De adolescente era muy entusiasta de Jonathan Douglas Lord (Jon Lord), el teclista de la banda británica de hard rock Deep Purple. Me gustaba mucho el rock a la par que Beethoven, Chopin o Schubert. Me maravillaba las proezas armónicas que conseguía Jon Lord con su órgano Hammond y cómo fusionó el rock y la música clásica en el disco Concerto for Group and Orchestra. Álbum en directo de Deep Purple, lanzado en diciembre de 1969 acompañado por la Royal Philharmonic Orchestra, dirigida por Malcolm Arnold y grabado en el Royal Albert Hall de Londres. Por otra parte, desde niño siempre me interesó Beethoven como compositor a través del piano. Fue un excelente pianista y todas sus composiciones pasaban por el filtro de este completo y bello instrumento (¡el instrumento rey!). Esto era algo que me atraía bastante. Luego su monumental obra me atrapó de por vida.

¿Qué hizo que eligieras ser compositor?

Siempre quise componer, pero cualquier intento se me hacía vano. Soñaba con escribir una música importante y cuando miraba a mi alrededor y contemplaba la inmensa literatura pianística que ha existido a lo largo de la historia, se me quitaban las ganas de hacerlo. ¿Qué tenía yo que decir después de varios siglos de pianismo? Nada (me respondía). Así pasó mucho tiempo hasta que me encargaron unos conciertos de Ludovico Einaudi, actualmente el compositor con más nombre en el piano a nivel popular. Quizá sea atrevido catalogar su música de clásica, pero ahí están sus ventas. Pues bien, este tipo de repertorio englobado en el minimalismo como corriente artística emergente, me dio la clave para indagar por ahí. Lejos quedan las grandes formas clásicas del piano y su complejidad estructural (estoy pensando en la forma sonata y la fuga, por ejemplo), y el minimalismo me permitía activar mi fantasía al servicio de la música. Así que di rienda suelta a mi imaginación y de ahí nacieron Hydromuria y Andrómeda, dos discos que me siguen dando muchas satisfacciones. El primero es un homenaje a Julio Cortázar y el segundo homenajea a la ciencia. Literatura y ciencia me interesan tanto como la música. Actualmente trabajo en una nueva creación propia: Mapa del Frío, Op.7. Música incidental para piano inspirada en el libro La acústica de los iglús, de la periodista y escritora Almudena Sánchez. Una especie de banda sonora que recrea una narrativa donde se evidencia la fragilidad del ser humano. Y este otoño saldrá mi disco Efecto Mozart – Piano Adaptation. Monográfico dedicado al compositor más popular dentro de la música clásica, y embajador de equilibrio y buen gusto. Adaptaciones a piano para acercar este tipo de música de manera sencilla. Un trabajo de divulgación.

¿Dedicas mucho tiempo al estudio de la técnica?

Es el caballo de batalla de cualquier pianista, aunque en mi caso, que me dedico más a la docencia y a la composición, dedico menos tiempo a la técnica del que quisiera (todas las horas son pocas); al fin y al cabo no soy concertista al uso. Las tareas de pulcritud técnico/expresivas requieren de una dedicación exclusiva al 100 %; por las razones antes expuestas no es mi caso.

¿En qué se diferencia la visión que tiene sobre la música un compositor y un músico que sólo es intérprete?

El compositor crea mundos sonoros a partir del conocimiento que tenga de cada instrumento. Componer para piano siendo pianista es dar vida a los dedos sabiendo caminar por el teclado. Quien mejor supo hacer esto fue Chopin. Sin embargo Beethoven ideaba unas combinaciones que a veces eran casi inhumanas llevarlas al teclado, y Schumann excedió esos límites. Luego vinieron los impresionistas y la escala hexátona, y el calado sonoro a que fue sometido el piano necesitó de una técnica muy distinta. Había que ‘flotar’ sobre las teclas. Pero en definitiva la visión global sobre la música debe ser una condición común en ambos casos.

¿Sigues algún método de inspiración o la inspiración fluye de modo natural?

En mi caso soy muy metódico. Siempre digo que soy un artesano de la música. Ideo combinaciones sonoras que a priori sé que funcionan (armónicamente hablando). Crear una pequeña célula y que se vaya desarrollando haciendo uso de la artesanía, como una pieza de orfebrería aplicando mucha parsimonia y ensayo/error. La inspiración puede aparecer una vez que ya he construido los cimientos de la composición. Es más, si no hay momentos de inspiración en ese andamiaje, deshecho lo escrito. Señal de que no me convencerá nunca.

Desde el punto de vista del compositor. ¿Cómo ves el panorama musical actual?

¡Ufff…!, tanta tecnología ha facilitado el camino para la composición que uno ya no sabe dónde está el talento y dónde actúan los programas informáticos de composición. Hoy en día existen miles de software para componer, así que el panorama actual es de una oferta extralimitada y puede resultar hasta indigesta (como en casi todo). En mi caso, compongo a la vieja usanza: lápiz y papel pautado en mano y sentado al piano; nada de grabaciones enlatadas donde poder escoger infinidad de propuestas. Me gusta crear desde la nada más absoluta.

También te dedicas a la enseñanza. ¿Estás de acuerdo con el modo actual de enseñanza de la música?

Me dedico a la enseñanza como profesor de música a nivel elemental en una Escuela Municipal de Música (concretamente en Las Cabezas de San Juan -Sevilla-). Teniendo en cuenta que mi destino no es la enseñanza pública obligatoria, tengo quizás una visión sesgada de la realidad. A mis clases llegan alumnos ávidos de conocimiento en el campo de la música y por esa parte mi satisfacción puede que sea superior al resto de docentes que tienen que lidiar con estudiantes que asisten a una asignatura de manera obligatoria. Y como toda obligación, si la capacidad innata del alumno no es acorde con la asignatura se produce el típico rechazo. Distinto es cuando el alumno entiende que estudiar la materia que sea será algo beneficioso para su desarrollo humano, intelectual y cultural.

¿Qué te parecen las redes como modo de acercamiento a los estudios musicales? Tú tienes cuenta en Facebook y YouTube dedicado a este fin.

Las redes sociales son el vehículo de nuestro tiempo y la herramienta perfecta para interactuar individual y colectivamente. Esto acerca cualquier tipo de estudios. En mi caso aprovecho mi canal de Facebook y YouTube para ofrecer clases de lenguaje musical online y de manera gratuita. Me gusta la enseñanza, y compartir conocimientos me satisface; al igual que yo me nutro de otras personas. La revolución tecnológica de los últimos años nos ha traído esta apabullante globalización, y yo encantado de poder disponer de tan amplia ventana. Por ejemplo, vivo en Sevilla, pero mi música se gestiona desde Hamburgo y Glasgow a nivel internacional por la compañía Emubands, una agregadora digital que cada mes me envía un detalladísimo informe estadístico de mis discos; eso me parece estar en el mejor de los tiempos.

¿Piensas que la música clásica es elitista? ¿y el público que acude a los recitales?

Por tradición tiene ese ‘sanbenito’. Históricamente el acceso a la música clásica (o música culta) estaba en manos del poder de la iglesia, de aristócratas, nobles, burgueses, o familias socialmente influyentes. Hoy en día está democratizada, aunque todavía se perciben flecos de elitismo. Asistir a conciertos de música clásica sigue siendo en muchos casos (no en todos, lógicamente) un escaparate como estatus social. Evidentemente las posibilidades de consumir música clásica no pasa sólo por recitales; en este aspecto aplaudo la cantidad de plataformas digitales que invitan a escuchar todo tipo de música y en cualquier momento.

Desde tu visión actual ¿Qué le dirías a los jóvenes que comienzan en la música?

Que la música entra por el corazón, lo moviliza todo ahí dentro, pero las emociones que activa tienen que recorrer muchos caminos para hacer de esta actividad la profesión a la que te quieres dedicar. Uno nunca sabe por dónde se moverán los caprichos del destino, pero no hay que desesperar. El recorrido es tan largo como hermoso. Y que la curiosidad por aprender mantenga vivo tu espíritu.

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ANTONIO CAPILLA | «LA LITERATURA VERTEBRADORA DE LA IDENTIDAD NACIONAL Y LA PERTENENCIA A UN TODO UNIVERSAL.»

Por: Isabel Rezmo


En este mes que inicia su curso cultural y literario realiza una entrevista al poeta Antonio Capilla Loma.

Dentro del mundo de la poesía podemos encontrarnos con multitud de amigos y compañeros que dan su particular visión del mundo que le rodea. A veces esa visión no concuerda con lo que pensamos, pero nos ayuda a aprender. El aprendizaje parece estar en desuso hoy en día. Parece que sabemos de casi todo, y en la poesía supone un agravante. El significado completo de ese aprendizaje se llama: respeto, buen hacer, ilusión y humildad.

Antonio Capilla Loma reúne esas cualidades. De sus escritos emana humanidad, conciencia social, no en vano ha participado y participa en multitud de encuentros y antologías, lecturas poéticas encaminadas a defender y a denunciar los problemas a los que se enfrenta la sociedad.

Pero también cuida y desarrolla una exquisita labor en la creación poética. Su poesía es un conjunto armónico, de belleza y elegancia. Cuida la palabra y a ella se entrega.

Antonio Capilla Loma, sevillano de nacimiento y madrileño de adopción, reside en Pozuelo (Madrid). Es licenciado en Filología Hispánica por la Universidad Complutense de Madrid y Diplomado en Magisterio, especialidad de lengua y literatura españolas. Ha sido profesor de lengua y literatura españolas durante 37 años. Es socio del Ateneo Blasco Ibáñez y de otras destacadas instituciones literarias. Además de colaborar en revistas y antologías, ha prologado varios libros y participado en recitales de poesía por España y Portugal.

Algunos de sus poemas se pueden leer en el blog del autor LA VOZ QUE NADIE APAGA, en diversas antologías poéticas como Arte fénix, NEcesarias PALabras, Antología de poesía universal, Poetas para el siglo XXI, Poetas andaluces contemporáneos, Poetas del 15 de mayo, Poesía solidaria del mundo, Encuentro Internacional de Úbeda, Pentadrama (Ciudad Juárez), Poetas sin sofá, Flores del desierto (Grito de mujer 2016, Editorial Unaria), antologías del Ateneo Blasco Ibáñez de Valencia, Antología de los Viernes Sarmiento, Antología Internacional de Poesía y Arte con diversas publicaciones dedicadas a Auschwitz, Palestina, Grito de Mujer, Ciudad Juárez, etc.

Así mismo ha publicado en revistas literarias: Azahar, Álora la bien cercada, Imán, Alambique, Escritores en Red, Encuentros y Palabras (Pentadrama), Aquarellen Literatura, Repoelas, Biblioteca de Figuras Literarias Libro IV dedicado a Ángela Figuera Aymerich, Luz cultural, etc.

Entre otras obras ha publicado: “Y el corazón al viento”, Madrid, 1991; “Viento del sur”, Huerga y Fierro Ediciones, Madrid, 2009; “El fuego en la palabra”, Huerga y Fierro Ediciones, Madrid, 2012; “El águila de fuego con las alas del tiempo”, Huerga y Fierro Ediciones, Madrid, 2013; “Lúa”, edición bilingüe en castellano y gallego, Editorial Lastura, Madrid, 2013; Lúa, 2ª edición ampliada en castellano y gallego, Editorial Lastura, Madrid, 2016; “Lúa”, (selección de poemas en árabe y castellano), Editorial Lastura, Madrid, 2016; “Piedra de la honda”, Editorial Vitruvio, Madrid, 2016.

RP: Buenas tardes Antonio un placer asomarte a Proverso. Esta pregunta seguramente te la habrán hecho en multitud de ocasiones ¿Qué es para ti la poesía?

AC: Era aún muy joven cuando murió mi hermana Pepi a la edad de 25 años, lo que supuso un duro golpe para toda la familia y en particular para mi madre que la quería con delirio. Una noche de tormenta en que oía su llanto y sus lamentos a través del tabique que separaba mi alcoba de la de mis progenitores sentí la imperiosa necesidad de plasmar los sentimientos que me embargaban, y de este modo nació mi primer poema. Así que en cierta medida creo, como decía Felix Grande, que la poesía es salvífica, que “sirve para salvarse la vida, para consolarnos” y que lo hace acercándonos a la belleza como equivalente del bien socrático que nos eleva por encima del reino animal al que no obstante pertenecemos. Así pues, el hecho de consolarnos no implica necesariamente que tengamos que evadirnos de la realidad en que vivimos, desde sus orígenes la poesía asume la necesaria catarsis que nos purifica mediante el dolor propio o ajeno cuando éstos acontecen sin que hayamos podido remediarlos. Creo conveniente dejar claro con ello que, lejos del manido lema de “el arte por el arte”, entiendo la poesía como el arte que persigue valores humanísticos y que por ende son universales.

RP: ¿Terminamos siempre por descubrir algo nuevo en ella?

AC: La originalidad ha sido concebida en el romanticismo como condición “sine qua non” de toda obra artística. Sin embargo, nada se crea “ex nihilo”. Actualmente estoy viendo “Juego de Tronos”, tanto he oído hablar de esta serie televisiva que he querido comprobar si merecía su extraordinaria fama, y la verdad es que me está gustando. Pues bien, en esta obra se retoman motivos históricos, literarios y artísticos en general que son harto conocidos y desvelados por quienes tienen suficiente acervo cultural y mente crítica. Sin embargo, dichos motivos se presentan en otro contexto, de suerte que se cambian los personajes, la cronología, los lugares, etc. De esta manera la trama resulta efectivamente original. Intento decir por lo tanto que aunque los temas sean recurrentes (el amor, la muerte y la vida en palabras de Miguel Hernández), siempre deberíamos encontrar algo nuevo en toda obra poética.

RP: ¿Cómo llegaste a la poesía? ¿Qué autores te han marcado más?

AC: Supongo que a todos nos hicieron aprender algún poema cuando éramos niños. En mi caso recuerdo algunos que no olvidaré jamás, o al menos eso es lo que deseo si la salud me lo permite. José de Espronceda con “La canción del pirata” y Rubén Darío con “A Margarita Debayle” pueden ser dos referentes de esta experiencia infantil. Pero mi encuentro ciertamente notable con la poesía se debe a mi padre que me regaló las obras completas de Federico García Lorca cuando yo era tan sólo un chaval de 12 años y aún vivía el dictador. El libro pertene a la Colección Aguilar y he de decir que sus tapas en piel están desgastadas por el uso, más el de mi padre que el mío propio, aunque es verdad que las leí con fruición y marcaron mi amor a la auténtica poesía. En cuanto a mi primera experiencia creativa, mi primer poema como ya he dicho está dedicado a mi madre. ¿Qué autores me han marcado más? Sin lugar a dudas: León Felipe, Miguel Hernández, Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez, Gustavo Adolfo Bécquer, los poetas de la generación del 27; y, naturalmente, todas las figuras señeras de la poesía española como Jorge Manrique, Garcilaso, Quevedo, Lope de Vega, Calderón, San Juan de la Cruz, etc. Soy consciente de que me dejo en el tintero a otros poetas no españoles de la talla de un Rubén Darío o un Walt Whitman pero no quiero ser excesivamente prolijo.

RP: Si tuvieras que definirte con un verso, ¿Cuál sería?

AC: Cito a Rabindranath Tagore:

¡No dejes que pasen las horas en la sombra!
¡Enciende la lámpara del amor con tu vida!

Y pido perdón ahora por citarme a mí mismo con estos versos de HACIA LA LUZ, obra inédita que espero que pronto también la vea:

Qué sublime locura
hasta llegar al ser en su grandeza
como un rayo de luz
que se adentra en la sombra.

RP: El pasado 20 de agosto participaste en la I Justa Poetica Villel de Mesa, en un momento del acto de clausura expresaste: “el poeta es un creador que puede sentir el latido del cosmos…” Mirando la vida, la sociedad que nos rodea, ¿La emoción es el primer eslabón en la creación poética? ¿Es el único?

AC: La lírica es emoción hecha belleza. No hay lírica sin emoción. Ahora bien, el sentimiento expresado prosaicamente no forma parte de la expresión poética. La poesía requiere un dominio del idioma que conduce a la expresión artística; la cual, en palabras de Fernando Lázaro Carreter, ha de estar dotada de “literariedad” que es una manera especial de comunicar. Porque en definitiva el poema es comunicación verbal aunque a veces resulte críptico. Es decir, no vale cualquier forma de expresión sino que el decir poético somete a la lengua a una tensión y a un ritmo que no es usual en el habla cotidiana, para ello tiene a su alcance las llamadas figuras literarias que todo poeta conoce y utiliza. En este quehacer cualquier tema puede ser sujeto y objeto de la lírica, pero efectivamente no me cabe la menor duda de que aquellos que tocan la “sensibilidad del corazón” son los más recurrentes, aunque también es completamente cierto que la emoción resulta en múltiples ocasiones de la pura expresión formal hecha arte sin que el contenido vaya ligado a sentimiento personal alguno.

RP: Has trabajado como profesor de lengua y literatura ¿Cómo ves el presente de la literatura en la escuela y en la sociedad actual?

AC: Como profesor de literatura pude comprobar el gusto de los estudiantes por esta asignatura cuando se imparte como algo estimulante y útil para su enriquecimiento personal. El diálogo con las obras sobresalientes de la historia y como herramienta para desarrollar una mente crítica y constructiva es algo apasionante que el alumno puede y debe experimentar, la misión del profesor es la de facilitárselo poniéndolo a su alcance. Fijaos, creo probable que dentro y fuera de España haya quien al ser preguntado por don Miguel de Cervantes no sepa quién fue, pero me cuesta mucho más creer que no sepa nada sobre don Quijote y Sancho Panza. La literatura forma parte de la vida hasta el punto de que en el habla cotidiana se utilizan frases acuñadas en obras literarias y palabras que han sido inventadas por escritores, toda nuestra experiencia vital está impregnada de literatura. Así que ha sido, es y será siempre un pilar fundamental para la formación de la ciudadanía, por lo que no hay país que no incluya en sus planes de estudio la literatura como vertebradora de la identidad nacional y la pertenencia a un todo universal.

RP: En tu creación también tiene un papel destacado la denuncia social. ¿La poesía es un arma revolucionaria? ¿Puede cambiar y mover conciencias?

AC: Es verdad que hay poetas que prefieren encerrarse en su “torre de cristal” para crear obras realmente bellas, pero la poesía también puede y debe contribuir a mover conciencias. Gabriel Celaya decía que “la poesía es un arma cargada de futuro”. Pero para cambiar la realidad es necesario además la conjunción de infinidad de fuerzas y recursos humanos. Como nos dice Paulo Freire: “Nadie libera a nadie, nadie se libera solo, los hombres se liberan en comunión mediatizados por el mundo”; o lo que es lo mismo, mediante el quehacer solidario de la inmensa mayoría de la sociedad es como se puede cambiar la misma. Así, pues, no cabe duda de que la poesía coadyuva a la sensibilización del ser humano en su aproximación a la belleza y contribuye por sí misma a que este aborrezca la fealdad de la injusticia. No obstante, en mi opinión, el poeta hace muy bien cuando se compromete activamente con el tiempo histórico que le toca vivir y lo refleja en su obra, esta es sin duda alguna la opción elegida por mí..

RP: ¿El poeta tiene la “obligación”/ “el deber” de convertirse en un ejemplo por encima de los otros. Es su verdadero compromiso?

AC: Al menos debería ser el principio y la consecuencia de su obra cuando esta se entiende como compromiso con los valores que representa. Sin embargo, se trata más bien de un “desideratum” que no se cumple casi nunca en su totalidad. No obstante, voy a decir algo que quizás no se haya dicho antes: Jesuscristo es para mí el poeta más puro que ha habido en toda la historia de la humanidad. Pero, como sabemos, su compromiso le costó un suplicio horroroso hasta morir en la cruz, y no creo que deba pedirse tanto a ningún ser humano. Sin embargo, ha habido quienes, salvando la distancia y en cierta medida, han seguido su ejemplo: estoy pensando, por ejemplo, en García Lorca, Miguel Hernández y Víctor Jara. Pero hay más casos dignos de mención que seguramente conocéis.

RP: ¿Algún proyecto a corto plazo?

AC: Tengo un libro inédito en proceso de edición. Así que, en cuanto se publique, me gustaría presentarlo en todos los sitios a los que sea invitado para ello. Y, naturalmente, siempre que pueda pienso seguir acudiendo a recitales y demás eventos poéticos.

RP: Para despedirnos, ¿algo que quieras resaltar?

AC: Bueno, añadir simplemente que la poesía ha sido siempre la cenicienta para el público en general. Sin embargo, es la raíz que alimenta el quehacer literario. Ojalá que todo el mundo busque su zapatito de cristal, como lo hizo el príncipe con Cenicienta, y que, al igual que él, tenga la dicha de encontrarlo para casarse con ella.

RP: Gracias por asomarte a nuestra casa que es la tuya.

AC: Gracias a Proverso por su compromiso con la poesía y por haber tenido la gentileza de invitarme. Espero que los lectores sean benevolentes y acojan mis palabras con el mismo cariño con que se han pronunciado.

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DOMENICO CODISPOTI | «EL PIANO ES UN MÉDIUM DE NUESTRA PERSONALIDAD.»

Por: Inma J. Ferrero


Graduado con honores en Italia y Estados Unidos bajo la guía de Bruno Mezzena y Joaquín Achúcarro, ha vivido en Dallas, Londres, Granada, Roma y en la actualidad reside en Madrid, donde es Profesor del Máster de Interpretación Solista en el Centro Superior Katarina Gurska.

Durante la entrevista con PROVERSO, realizada el viernes, nos sonríe con amabilidad.

R.P: ¿Existía alguna tradición musical en tu familia? ¿Cuándo tuviste claro que ibas a dedicarte al piano?

D.C: No había tradición musical en mi casa, pero mi padre quería comprar un piano antes de mi nacimiento. Sin ser músico (nadie lo es en mi familia) sentía verdadera fascinación y deseaba que yo lo fuera, así que cuando tenía seis años llegó a casa un Schulze Pollmann de pared y empecé mis clases. Creo que, sin pararme a pensar demasiado, desde el inicio supe que no podría prescindir del piano, y que sería algo con lo que me identificaría siempre.

R.P: ¿Cuál de tus profesores ha marcado más tu estilo, si es que hay alguno que lo haya hecho y por qué?

D.C: Debo mucho a todos los que he encontrado en mi camino, es inevitable, en modos distintos y por varias razones. Un profesor es un ejemplo, también inconscientemente, con su vida dentro y fuera del piano, con su manera de comunicar música y de relacionarse humanamente. Un alumno aprende a reconocer su rol y sus necesidades dentro de la música, aprende también a distinguir lo que tiene ambición de ser y lo que seguramente no querrá ser nunca. Es una alquimia tan compleja, y también un proceso en continua evolución que redefine constantemente perspectivas de trabajo y de vida. Luego también se aprende música de muchas cosas, como de una frase escuchada o leída en el momento justo, o de una fotografía que aparece y abre un camino en tu mente. Cada encuentro y cada experiencia acaban en nuestra forma de tocar y contribuyen a formar nuestro estilo, y el piano es un médium de nuestra personalidad.

«…desde el inicio supe que no podría prescindir del piano, y que sería algo con lo que me identificaría siempre.»

R.P: ¿Te consideras un concertista a la antigua, en el sentido de la amplitud de repertorio?

D.C: Me considero un pianista de mi tiempo, que tiene que medirse con un mundo rápido y multifacético, a veces superficial y que no siempre permite lentitud y profundidad. Pero es un mundo también de muchos recursos, abierto al conocimiento y donde es posible la exploración y la comunicación, mas que nunca. A lo largo de los años mi repertorio se ha desarrollado en direcciones muy diversas, algo que considero un valor añadido, casi una necesidad. Hay en esto una componente de tímido anticonformismo, quizás también una capacidad de adaptación rápida lo haya favorecido, pero sobretodo he seguido mi curiosidad y necesidad de expresarme en varios lenguajes, porque me siento como en casa en muchos lugares.

R.P: ¿Te consideras especialista en algún tipo de repertorio?

D.C: Puedo solo decir lo que me da más placer en este momento de mi vida, que es la música de Robert Schumann. Un compositor al que reconozco la rara cualidad de exigir mucho al intelecto mientras habla a los sentimientos más profundos. Su escritura es compleja y sorprendentemente simple a la vez; resolver sus enigmas musicales dejándose llevar por la corriente, actuando en su teatro, es un reto de lo mas fascinantes. Schumann para mí sintetiza una meticulosa arquitectura mental con la embriaguez de los instintos humanos.

R.P: ¿Cuál es tu meta como pianista? ¿Qué sueñas? ¿Cuál sería tu recital o concierto ideal?

D.C: Con la edad los sueños se hacen mas silenciosos e íntimos, se parecen más a una película de cine independiente con sus matices y Hollywood tiene menos encanto. Sueño también con mantener un equilibrio entre música y familia, soy un afortunado marido y un padre de un niño de casi dos años que me ha cambiado la vida y la música, también. El concierto ideal es el próximo, porque preparándolo sé que voy a aportar a mi viaje algo que no había antes, que lo hará (y me hará) mejor. Siento que se añade cada día algo más a mi experiencia de hombre y de músico, esto me da felicidad y me genera una sentido de gratitud.

R.P: ¿Eres tan tranquilo o te puedes poner muy nervioso antes de un concierto?

D.C: Sencillamente, creo que el factor que determina los nervios es principalmente el nivel de preparación; las dos cosas son inversamente proporcionales y lo sabe cualquier pianista. La tensión antes de un concierto, tan necesaria como la concentración, es condición común a todos los que suben a un escenario. Yo no soy excepción, aunque racionalmente aprendo cada vez más a relativizar y a canalizar la energía en algo positivo. Digo siempre que hay que pensar que el piano es algo que nos permite realizar belleza, y no un juez que otorga puniciones. Es una cuestión de perspectiva, y puedo decir que hoy disfruto mucho de lo que hago en un escenario. Creo también que para un pianista otro gran factor de tensión sea la memoria. Un numero creciente de artistas elige hoy (en dadas circunstancias y con repertorio que lo permita) tocar con partitura, y esto libera de cierta presión y permite disfrutar en otros sentidos. Se beneficia la actuación, gana en autenticidad.

Por otro lado, es cierto también que en algunos casos la partitura es mas un obstáculo que una ayuda, y que la complicidad y la inmersión en una obra alejan necesariamente de las paginas escritas, cuando el discurso musical esté interiorizado. Es todo muy personal, y depende de muchos factores.

«…he seguido mi curiosidad y necesidad de expresarme en varios lenguajes, porque me siento como en casa en muchos lugares.»

R.P: ¿Te interesa el piano contemporáneo, la música contemporánea?

D.C: Me interesa todo lo que me llama la atención y que me invita a profundizar para entender mejor y disfrutar más, a pesar de estar escrito en 2019 o en el Romanticismo. Me siento cada día mas ignorante, por la enorme cantidad de música a las que quisiera dedicar atención. Es una frustración placentera saber que la vida no será suficiente, porque así estoy seguro que no me voy a aburrir.

R.P: Llevas ya bastante tiempo en España. ¿Consideras que es imprescindible salir de este país para poder destacar?

D.C: Esto es lo que creemos también en Italia, y probablemente en muchos otros países, pero no siempre con toda la razón. Creo que es más necesario salir de ciertas ideas estereotipadas y listas para consumir sobre como hacer y vivir música. Si es cierto que las instituciones tienen culpa por no defender y promover suficientemente la cultura y la música, también tenemos que entender que las exigencias cambian, así como la comunicación y el lenguaje, y tenemos responsabilidades individuales. La falta de programación a largo plazo, que tenga como objetivo una sociedad más consciente y culta (en el sentido mas amplio), no tiene que ocultar la necesidad de una acción artística individual. Hay que intentar detectar lo que falta a este (u otro) país y destacar por ofrecerlo.

R.P: En la actualidad, ¿hacia dónde ha evolucionado la interpretación pianística? ¿Qué diferencias observas entre los pianistas de ahora y los de hace un siglo?

D.C: Es curioso observar como un siglo (el XX) que creíamos ser riguroso y severo (por una difusión musical más capilar, por la difusión masiva de la grabación, por las escuelas internacionales de creciente nivel, por el fenómeno de los concursos, etc.) en respuesta a un ‘800 considerado casi aproximativo y excesivamente libertario, esté revelando sus limites y muchos, sólidos axiomas interpretativos se estén poniendo en duda. La consciencia de esto, provocada por una nueva curiosidad y nuevas perspectivas de estudio, quizás es la característica más evidente de la nueva generación, que tiene unos medios inviables y solo necesita tiempo y espacio para desarrollar su voz. Creo que escucharemos algo sorprendente en un futuro próximo, como resultado del momento de transición que estamos viviendo.

R.P: ¿Qué les recomendarías usted a los jóvenes pianistas que intentan abrirse paso?

D.C: Lo más obvio: no dejar de soñar y creer en sus posibilidades, metiendo en cuenta también fracasos y desilusión pero siempre con sinceridad y honestidad intelectual. Con uno mismo, antes de todo, porque es así que nos hacemos una idea mas clara de quienes somos y adonde vamos. Reconsiderar la palabra “éxito”, tener el coraje de seguir creyendo y trabajando en una idea a pesar del numero de likes y seguidores. Dedicar y no regalar el tiempo, también, es algo que deberíamos intentar. Sin dejar nunca de preguntarse “que quiero realmente?”, aunque la respuesta cambie y nos deje confundidos. Dudar y preguntarse es aprender, es avanzar, no es una alarma de peligro si no su opuesto. Creo que vale para todo, tanto en lo musical y profesional, como en las relaciones humanas.

R.P: Me gustaría cerrar esta entrevista dándote las ¡Gracias! Por habernos atendido ha sido todo un placer.

D.C: Un placer para mi, gracias!

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ANDREA PEZZINI | EL ARTE DE LA GESTIÓN CULTURAL

Por: Isabel Rezmo


La cultura se ha convertido en un bien común, un bien necesario para potenciar y fortalecer  las raíces y las costumbres de los pueblos y ciudades. No siempre recibe el apoyo de quienes  gobiernan en las ciudades. Hace falta también la figura de un buen gestor, que coordine y optimice los recursos que ayuden a desarrollar una actividad cultural plena e intensa, capaz de descubrir, de potenciar y diversificar las diferentes posibilidades.

Hoy en PROVERSO vamos a abrir a nuestros lectores la figura del gestor cultural, que uniendo espectáculo, cultura, historia y literatura en ocasiones, permite la realización de proyectos y actividades con tales fines.

Hablamos de Andrea Pezzini, gestor de la Sinagoga del Agua en Úbeda (Jaén) y responsable de la empresa de turismo Artificis. Ha visto crecer las posibilidades culturales de Úbeda y Baeza en estos 15 años de declaración del Patrimonio de la Humanidad. Hoy en día es muy difícil que alguien no conozca, la gestión, la lucha y la intensa actividad que desarrolla.

R.P: Buenas tardes Andrea, un placer asomarte a Proverso  ¿Crees que la figura del gestor cultural, se ha revalorizado? ¿Crees que  sigue siendo vital su papel?

A.P: Buenas tardes, el placer es mío.  Sin duda es una figura necesaria para idear, organizar, facilitar y coordinar toda clase de actividades vinculadas a la cultura y en mi caso muy unida al turismo. No solo creo que siga siendo vital, sino que también se ha valorizado en el seno de varios organismos públicos así como en el ámbito de la iniciativa privada.

R.P: En los últimos 15 años que ha coincidido con tu actividad en la ciudad ¿Qué crees que ha cambiado en Úbeda y en Baeza?

A.P: En primer lugar matizaría que empecé mi actividad con la empresa Artificis en 1994, por tanto son ya 25 años, por lo que podemos considerarnos una empresa pionera en gestión turístico-cultural en un espacio relativamente pequeño y poco conocido, como son las ciudades de Úbeda y Baeza. Naturalmente han cambiado muchas cosas. La primera y fundamental ha sido la revitalización del centro histórico monumental de ambas ciudades desembocando en la declaración de ambas como Patrimonio de la Humanidad por parte de la Unesco. La otra más que un cambio ha sido la capacidad de mantener, fomentar, mejorar e incrementar el número de actividades culturales de todo tipo que se desarrollan a lo largo de todo el año. Y para ello también es necesaria la inquietud ciudadana, la iniciativa empresarial y la colaboración institucional.

R.P:¿A qué retos te has enfrentado en estos años?

A.P: Poner en valor espacios y actividades empezando desde cero que ahora están siendo el motivo por el que recibimos visitantes de todo el mundo. Contribuir a posicionar las ciudades de Úbeda y Baeza en el panorama nacional e internacional del turismo cultural ha sido y sigue siendo lo más apasionante. Tal vez, en los últimos años, el reto más apasionante (por tratar de una temática algo olvidada y desconocida) ha sido la gestión de la Sinagoga del Agua. Se trata de un nuevo espacio referente para la historia y la cultura en nuestra ciudad donde, además de abrirse diariamente para ser visitada, ofrecemos actividades culturales  como conciertos, teatro, presentaciones literarias y, naturalmente, la apertura del Encuentro Internacional de Poesía “Ciudad de Úbeda”. Pero sin duda el reto más difícil es el mantener una plantilla estable y permanente de trabajadores durante todo el año y durante tantos años.

R.P: ¿Qué hizo que aterrizaras en España y luego en Úbeda, y lograra que te quedaras en ella?

A.P: Nací y crecí en Italia y tras vivir varios años en Londres y Paris, llegué a Sevilla a principio de los ’90 para quedarme a vivir durante un par de años, con el casi único pretexto de aprender español. Tenía un espíritu muy libre y bohemio, sin ataduras ni compromisos pero fue un encuentro fortuito de aquellos años, el que me hizo descubrir Úbeda y enamorarme de ella. Finalmente me vine a Úbeda a principio de 1994, para seguir un curso de Gestión en Turismo y Patrimonio y posteriormente crear, con mi socio Nono, la empresa Artificis. Al mismo tiempo he formado mi familia y tengo 4 hijos, todos ellos nacidos en Úbeda

R.P: ¿Cómo ves la actividad cultural y turística en la actualidad? ¿Qué cosas crees que hay que mejorar?

A.P: Creo que, no obstante las lagunas y necesidades que todos los sectores reclaman, estamos en un momento muy interesante. Sobre todo por las cambios tan rápidos que provocan las tendencias y formas de comunicación a través de las redes sociales. En general, el binomio cultura-turismo, genera un gran interés y es motivador. Hay cada vez más gente de todo el mundo dispuesta a viajar miles de kilómetros y gastar mucho tiempo y dinero en asistir y participar en diferentes actividades culturales. Por ejemplo en festivales, exposiciones, etc… Desde luego mejoraría la atención al medio ambiente y la sostenibilidad de los destinos. No todo vale en pos del turismo y del desarrollo económico.

R.P: Aparte  de tu gestión, ¿qué te gusta más del mundo cultural, de la literatura y cómo  encaja en tu día a día?

A.P: Pues, soy un consumidor ávido de música desde muy joven. De casi todo género. No tengo muchos prejuicios al respecto aunque, si tuviera que “mojarme” diría que en el fondo tengo un “alma rockera”. En relación a la literatura, debo admitir que no consigo leer todo los libros que me gustaría. Tengo en mi casa una cantidad interminable de libros pendientes de ser abiertos y disfrutados. Mi día a día en estos años como empresario y padre de familia numerosa no me lo ha puesto fácil. No obstante, sigo leyendo muchísimo, aunque sea con fines profesionales e in- formativos. Y poco a poco me estoy acercando también al mundo de la poesía. El encuentro internacional de Poesía “Ciudad de Úbeda” y sobre todo la gestión del Museo de San Juan de la Cruz en Úbeda, pues me lo ha puesto fácil.   

R.P: El aumento de otros colectivos culturales y asociativos es positivo o crees que hay una excesiva actividad que lejos de enriquecer entorpece lo que ya se está desarrollando en Úbeda?

A.P: Aunque a veces parezca excesivo, el fenómeno de Úbeda como ciudad cultural es extraordinario y creo que caben aún más asociaciones e iniciativas. Eso, a veces, genera que en ciertos momentos determinados haya simultaneidad de actividades que pueden interesar al mismo tipo de público: ¡¡Bendito problema!!  El problema reside en la coordinación de todo lo que se organiza. Desde hace tiempo se está pidiendo al área de cultura y turismo del Ayuntamiento de Úbeda, así como a la de deportes y comercio (unido a tráfico y seguridad) que haya una mejor organización y coordinación de todas estas actividades, para así evitar esa simultaneidad con objetivo además de optimizar los recursos humanos y económicos destinados a tal fin. Me consta que el Ayuntamiento está más que al corriente y trabajando para su mejor eficacia como también me consta que a veces hay colectivos que organizan todo de una forma muy improvisada, sin planificación ni antelación alguna que sin embargo pretende obtener la misma atención que otros. Y eso es lo que a veces entorpece algunas otras actividades.

R.P: ¿La competitividad entre un sector u otro como lo percibes?

A.P: Como en todos los sectores, en cuanto algunos pioneros “abren caminos” y se ven oportunidades de negocio y desarrollo, pues hay otros tantos que se aprovechan del trabajo y el esfuerzo que otros han realizado. A estas alturas, no me sorprende nada. Y la percepción es que, en algunos ámbitos, vamos hacia un exceso de ofertas similares que temo vayan confundiendo a visitantes y consumidores. Obviamente puede convertirse en un problema si no sabemos tratarlo con prudencia y sentido común. La competitividad cuando es sana, creativa, honesta y limpia es buena y estimulante. Si me apuras… creo que es necesaria. Yo, creo que he aprendido a convivir con esa posibilidad, circunstancia y realidad, tratando de adelantarme a los tiempos y necesidades de quienes nos visitan.

R.P: España en el sector turístico es una de las grandes potencias en el sector, sin embargo, crees que hay un equilibrio real entre lo que se oferta al turista con lo que busca realmente? ¿No hay un excesivo bombardeo de ofertas o de servicios que en nada tiene que ver con la calidad que busca el turista sobre todo, cuando hablamos de turismo interior?

A.P: En un mundo tan globalizado, también un destino turístico poderoso, sólido y consolidado como España puede sufrir unos altibajos importantes. Las situaciones geopolíticas causan cambios repentinos, los desastres ambientales marcan grandes diferencias, el desequilibrio económico y demográfico de los países Asiáticos y Orientales marcará el futuro turístico a corto plazo…. En este sentido, sobre todo el turismo de interior de España tiene muchísimo camino por recorrer y muchísimos recursos que “explotar”. Todo ello me permite decir que la calidad del turista y lo que busca está y estará más centrado en la experiencia emocional que en el nivel de gasto que este pueda producir.

R.P: ¿Qué retos te planteas para el futuro?

A.P: Buena pregunta en estos momentos tan inciertos. Pues, seguir empeñando y comprometido con la tierra que tan generosamente me ha acogido y permitido emprender y desarrollar una empresa en el sector del turismo y la cultura. Nadie lo hubiera imaginado hace tan solo unos años. Me gustaría ver crecer a Úbeda y Baeza de una manera sostenible y modélica gracias al turismo y la cultura sin olvidar a la población autóctona (sobre todo del centro histórico) y sus necesidades más básicas. Me gustaría que la provincia de Jaén no se quedara vacía de jóvenes formados y preparados y para ellos es necesaria una notable mejora de las comunicaciones, una diversificación económica y mucha valentía empresarial. Me gustaría ver el cambio del mundo del olivar hacia una mayor sensibilidad medioambiental y un reconocimiento mundial de los valores saludables del AOVE y por tanto una firme apuesta por su calidad. Esos son mi principales retos, aunque parezcan muy genéricos, en realidad son muy personales. He dedicado y pienso seguir dedicando mucho tiempo y energía y en todas aquellas organizaciones y asociaciones donde, sin ánimo de lucro, puedo aportar mi experiencia y trabajo para el futuro de esta tierra, que también es mía.

R.P: Ha sido un placer hablar contigo, y acercarte a PROVERSO  y presentar el trabajo que desarrollas a favor de la cultura.

A.P: El placer es mío y espero poder seguir contribuyendo a que PROVERSO haga realidad sus inquietudes culturales.

 

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MARIO PRISUELOS | EL PIANO CONTEMPORÁNEO

Por: Inma J. Ferrero

Este mes la revista PROVERSO, ha tenido la gran ocasión de entrevistar al pianista madrileño Mario Prisuelos, el cual ha atendido a nuestras preguntas con una alta dosis de amabilidad.

Mario Prisuelos nace en la localidad de Villaviciosa de Odón (Madrid), realiza sus estudios en el Real Conservatorio de Música de Madrid. Desarrolla su formación posteriormente con el pianista Humberto Quagliata finalizando en Viena bajo la dirección de Leonid Brumberg. Recibe a su vez los consejos de pianistas como Phillip Dyson, Andrzej Jasinski y Alicia de Larrocha. Debuta a nivel internacional en el Festival de Piano de Feuchtwangen dentro del aclamado Musikzauber Franken en Alemania, donde la crítica elogia su “gran talento y fuerte poder de comunicación”. Desde entonces comienza una intensa actividad concertística ya sea en recital, como solista de orquesta o en grupos de cámara, con debuts en salas de Viena, Milán, París, Londres, Florencia, Río de Janeiro, Nueva York, Miami, etc… Es invitado habitual en importantes festivales de toda Europa. Ha realizado grabaciones discográficas y de radio con el sello Verso, Sonoris, RTVE y Hrvatski Croatian Radio entre otras.

Es fundamental su firme compromiso con la música de su tiempo estrenando e interpretando en salas de Europa y América obras de compositores españoles, muchas de ellas dedicadas a él. Considerado uno de los más relevantes pianistas de su generación, recientemente ha realizado un extensa gira por Estados Unidos que le ha llevado a debutar en el Carnegie Hall de Nueva York, así como conciertos entre otros en el Auditorio Nacional de Madrid, el Ircam-Centro Pompidou de Paris, Teatro Solís de Montevideo, Teatro Nacional de Lima o el Zagreb Music Academy.  Es requerido frecuentemente para dictar masterclasses en diferentes centros docentes y universidades de Europa y América (Universidad de Princenton, Universidad William Patterson, Universidad Internacional de Florida, Universidad de Costa Rica, Conservatorio de Tel Aviv, etc.). Participa en el Berliner Klassik Sommer de Berlín junto a la Berliner Camerata, bajo la batuta de Johannes Schläfli, conciertos en Italia, Bulgaria, Francia y USA y como solista junto al Ensemble Meitar en Tel Aviv bajo la dirección de Fabian Panisello.

Su ciudad natal Villaviciosa de Odón le concede en 2016 el título de Hijo Predilecto. Entre sus últimas grabaciones figura el Cd “Adalid: el piano romántico”, su primer trabajo para el sello Universal, así como su último cd “Tomás Marco: piano Works” monográfico con música para piano del compositor Tomás Marco para el sello Ibs Classical. Próximos compromisos le llevarán a salas de Italia, Inglaterra, Francia, Perú, Brasil, Uruguay, Estados Unidos, Portugal y Polonia. Recientemente ha estrenado el Concierto para piano nº 2 del compositor José Mª Goicoechea junto a la Orquesta Sinfónica de Navarra y el director Josep Caballé Domenech.

R.P: ¿Por qué el piano y no otro instrumento? ¿Crees que el instrumento es una extensión del músico?

M.P: Desde pequeño me llamó la atención el piano por encima de otros instrumentos. Era sólo un instrumento, pero a mí me parecía que eran muchos instrumentos a la vez. Siento que es una prolongación de mí, no sólo físicamente si no espiritualmente, con él conecta una zona interior que sólo a través de el piano consigo satisfacer.

R.P: ¿Cuánto tiempo inviertes en el estudio de la técnica?

M.P: Intento comenzar mis sesiones de trabajo en el piano siempre con algún tipo de trabajo técnico, bien general o enfocado a alguna obra.

R.P: ¿Cómo afrontas el estudio de las piezas para un concierto?

M.P: Si es nueva la obra, primero intento tener una visión de la arquitectura de la obra, estilo, carácter, fases por las que pasa, temas, posibles dificultades, material sonoro…después desarrollo un trabajo más artesano en el piano que se irá desarrollando junto con el sentido puramente musical que siento que quiero expresar. Es una búsqueda constante para intentar encontrar mi propia esencia en la música del compositor.

R.P: ¿Cuáles son tus compositores favoritos?

M.P: Hay muchos compositores que admiro, me cuesta mucho seleccionar unos pocos. Bach, Tomás Luis de Victoria, Stravinski, Mozart, Beethoven, Shostakovich, Miles Davis…

R.P: ¿Qué opinión tienes de la enseñanza musical en España?

M.P: Creo que hay mucho que mejorar. Me da mucha lástima ver maravillosos profesores compañeros en los conservatorios, estupendos profesionales pero que se ven engullidos por un sistema que no funciona, encorsetado,

R.P: ¿Hay más personas que dominan el instrumento, pero tal vez son menos verdaderos intérpretes?

M.P: Hay muchos buenos músicos, se toca el instrumento mejor que nunca. A la vez creo hay también muy buenos intérpretes aunque bastantes menos. Si subimos un escalón más, son muy poquitos los tocados con la varita mágica de la genialidad…

R.P: ¿Cuál es tu impresión sobre la música en España?

M.P: A pesar del deficiente sistema educativo y del poco apoyo en muchos casos de las instituciones a la música, latente sobre todo en el nimio apoyo a la música de nueva creación, hay una cantidad de intérpretes y compositores con una calidad maravillosa que además están en muchos casos desarrollando una estupenda carrera internacional. Creo que podemos sentirnos orgullosos de nuestros músicos.

R.P: ¿Crees que la música clásica en este momento es importante? y si es así, ¿por qué es cosa de minorías?

M.P: La música clásica, como las artes, creo que son más necesarias que nunca. En una época en la que prima el puro entretenimiento tenemos que hacer un ejercicio como seres humanos para intentar encontrar en las artes algo más allá de nuestros puros instintos y que nos haga dar un significado a nuestra propia existencia; buscar en la música el camino de la sublimación es un ejercicio necesario para intentar crecer como personas. Esto conlleva un esfuerzo y una disciplina que esta sociedad tiene anestesiados y que efectivamente no todo el mundo está dispuesto a desarrollar. Vivimos en la época de la inmediatez, de la satisfacción instantánea. Aún así es muy esperanzador ver tanta gente llenando salas de concierto y que necesita encontrarse con la música clásica.

R.P: ¿Qué recital recuerdas con mayor emoción?

M.P: Llevo buen recuerdo de la mayoría de mis recitales, entiendo el recital como un acto casi místico independientemente del lugar y el momento. Tengo un recuerdo especial del Carnegie Hall de Nueva York. Estar en un lugar tan emblemático como éste donde han tocado los más enormes músicos de todo la historia fue una experiencia inolvidable.

R.P: ¿Cuáles son tus proyectos futuros?

M.P: Actualmente estoy trabajando en mi próximo disco que saldrá próximamente. Y preparando próximos conciertos en España, Italia, Polonia y Estados Unidos. También trabajo en el estrenos de música de compositores actuales.

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MAURIZIO COLASANTI | LA ESENCIA DE LA MÚSICA

Por: Inma J. Ferrero


La revista PROVERSO ha tenido el gran placer de realizar una entrevista el director italiano Maurizio Colasanti, el cual ha tenido la ambilidad de responder a nuestras preguntas.

P.R: ¿Con cuántos años empezó a estudiar música?

M.C: Empecé a estudiar música a la edad de cinco años con la banda de mi pueblo. Tuve la suerte de conocer a un músico de gran talento que insistió a mi familia para que hiciese la carrera en el conservatorio y así poder conviritirme en un profesional de la música.

“…mi preferido es Sergiu Chelibidache, bien por su profundidad metodológica bien por el rigor gnoseológico.“

P.R: ¿Cuáles son tus directores favoritos de orquesta? ¿Y cuáles han sido tus modelos a seguir?

M.C: Depende de lo que entiendes por director de orquestra. En mi opinión hay muchas especies de directores: uno sabe bien preparar una orquesta, otro es muy agradable verle en el pódium, otro sabe hacer política, y hay quien sabe hacer de banquero. Bueno, en serio, entre todos, mi preferido es Sergiu Chelibidache, bien por su profundidad metodológica bien por el rigor gnoseológico. Digamos que en él tomó forma aquella figura que se necesitaba en la música, es decir, aquella que finalmente ha superado la práctica considerándola como una cuestión teórica o tangible, abriendo a la posibilidad de concebirel sonido como un fenómeno humano que va más allá de la relación entre elsonido mismoy la música. Chelibidache habla de all’Erlebt, la experiencia como condición indispensable, como referencia a la filosofía de Husserl, es decir a un enfoque que define, más allá del gesto y de la teoría, el motivo y la manera en que se manifiesta la realidad, que en este caso es la música.

P.R: ¿Algunos de tus maestros ha dejado su marca en ti? ¿Cual?

M.C: Todo el mundo. No podemos pensar en vivir sin que las relaciones, fortuitas o menos, no dejen huellas en nuestras vidas; lo mismo pasa con de nuestros maestros. Cada uno de ellos ha dejado una marca indeleble, algunos han dejado cicatrices, pero todos me han ayudado a hacer de mí lo que soy ahora. Creo firmemente que todas nuestras acciones tendrán una reacción que puede hacer cambiar la forma de ver el mundo a quienes sufren sus influencias. Incluso esta entrevista lo hará, marcará, en manera leve o profunda, a algunos de sus lectores que, al reflexionar sobre lo que estoy diciendo adoptarán diferentes determinaciones de las que adoptarían si no hubieran leído esta nuestra charla.

R.P: Cuando empiezas a trabajar con una nueva orquesta, y considerando que cada músico tiene diferentes capacidades, ¿cómo desarrollas tu trabajo?

M.C: Las orquestas son un organismo complejo compuesto de muchas piezas que deben trabajar para conseguir un único objetivo. Al igual que todos los organismos, cada elemento tiene diferentes características y diferentes capacidades. Es importante que cada uno contribuya al resultado final dando lo mejor de sí mismo y tratando de identificarse con el resto del grupo.

R.P: Dirigir una orquesta es un gran desafío, ¿cuáles son los más importantes que hay que superar?

M.C: El verdadero desafío es vivir cada día teniendo el valor de seguir con tus propias ideas. En cuanto a los retos musicales, he tenido varios en mi carrera, pero el más difícil siempre es el que aún está por venir. Cada vez que se sube en el podio desafías algo, de la misma manera en la que desafías algo todas las mañanas cuando te levantas de la cama y empiezas un nuevo día.

PR: ¿Cómo te enfrentas el estudio de las partituras?

M.C:: Una sola palabra: disciplina. Disciplina en el enfoque metodológico y respeto hacia los que han escrito nota a nota la partitura.

P.R: ¿Cuáles son tus compositores favoritos? ¿Por qué? ¿Qué pieza de música te gusta dirigir?

M.C: En fin, se puede decir que la música es una gran paradoja, una paradoja consciente de una conciencia que es la de Unheimliche, el perturbador del que habló Freud. “El perturbador es aquel miedo que tenemos a lo que ya conocemos, a lo que nos resulta familiar”. Creo que deberíamos definir nuestros autores favoritos como familiares, ya que son parte de nosotros como la intuición y no hay necesidad alguna de justificar ciertas ideas porque, en el fondo, es como si fueran nuestras. Con referencia a la pregunta acerca de mi director favorito, tengo que decir que considerada mi visión de la música como una abstracción, como un epifenómeno en curso hay una cierta cercanía con todos aquellos compositores que concibieron la música como algo incondicionado. La ausencia de límites de la concepción musical, me hace sentir cerca de artistas como: Bach, Rossini, Wagner, Verdi, Cherubini compositor de ópera, Mahler, Bruckner, Sibelius, Debussy, Varese, Lutoslavsky.

“Creo que deberíamos definir nuestros autores favoritos como familiares, ya que son parte de nosotros…“

P.R: ¿Qué opinas de la música contemporánea? ¿Crees que tiene la misma recepción por parte del público?

M.C: Debería escribir un tomo para contestar a tu pregunta. La música contemporánea se ha fragmentado en muchas corrientes estéticas donde se encuentra la afiliación teorética como un bastión de los postulados. Finalmente hay que decir que el de la música clásica culta es ahora un mundo que renuncia a la acción, un mundo esperando a su Godot, en el que el consuelo es su profesión, un mundo que del pasado hace su futuro. La música contemporánea, más allá del nivel de satisfacción hacia ciertos autores y más allá de las soluciones estéticas que los mismos adoptan, es el único medio a través del cual podemos seguir hablando de música tal y como la conocemos ahora. Hay una transformación epocal de las dinámicasestéticas y de la función de la música. Continuar a planear obras como si estuviéramos en el 1800 es dramáticamente retro y amenaza con declarar la desaparición de un mundo que no acepta el futuro.

P.R: Has viajado por todo el mundo. ¿De qué orquesta o teatro guardas mejor memoria?

M.C: Tengo mucho cariño por todos los teatros y las orquestasque he dirigido. Cada uno de ellos me ha dejado un recuerdo que llevo conmigo como una bonita experiencia artística y humana. Siempre las orquestas que me invitan a dirigir por vez primera, me vuelven a llamar para trabajar con ellas en otras ocasiones. Haría un flaco favor a alguien si eligiera una orquesta en particular, les amo a todas.

P.R: ¿Qué consejo le daría a los jóvenes músicos que están destinados a la carrera de director de orquesta?

M.C: Digo a todos mis estudiantes que el talento no es suficiente. Se necesita mucho estudio, valor y un toque de locura. Si para determinar las elecciones necesitamos pasión y amor por nuestro trabajo, estamos encaminados bien.

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ANTONIO TELLO | EL DOBLE COMPROMISO DE LA POESÍA

Por: Isabel Rezmo

Imágenes: Jorge Raúl Tello


Proverso tiene el honor de presentar a sus lectores una entrevista concedida por el escritor y poeta  argentino Antonio Tello.

En la noche yerma,  su último poema.

“El día en que el pueblo reventó de angustia” (1973)  supuso el inicio de su  vida literaria pero también la persecución por los diferentes gobiernos peronistas y militares. Su compromiso social y humano le lleva también a otros enfrentamientos y por ello se exilia en París, y luego llega a Barcelona donde se instala.

La torre de la canción, poética de la ciudad”- Radio Universidad de Río Cuarto, FM 97.7, que es declarado de Interés Cultural. En 2014 es nombrado  Coordinador del Área de Literatura de la Casa de la Cultura provincial. EN 2015, la Agencia Córdoba Cultura del Gobierno provincial le concede el Premio Reconocimiento al Mérito Artístico, en el capítulo de Letras, por el conjunto de su obra y por sus aportes a la cultura, en particular a la poesía, tanto nacional como provincial.

R.P: Buenas tardes Antonio, es un enorme placer tenerte en esta casa, con nuestros lectores.

Tu vida ha sido un constante compromiso con la literatura: tanto en novela, literatura infantil y juvenil, teatro, poesía… ¿Te queda algo por descubrir u ofrecer  en la literatura y en la poesía?

A.T: Siempre tenemos algo por conocer. De hecho la literatura es una de las vías que el ser humano tiene para indagar acerca del mundo y de la condición humana. El hecho de haber practicado casi todos los géneros narrativos hasta la poesía, pasando por el ensayo, la dramaturgia e incluso el periodismo, ha sido para mí una forma de aproximarme al conocimiento, saber por qué el ser humano es, como escribió Kazantzakis, “un fulgor entre dos abismos”, es decir, una chispa entre los misterios del origen y de la muerte, que la religión disimula con la idea de la divinidad, pero que aun así no logra aliviar la angustia existencial en la conciencia del hombre. La literatura como las demás expresiones del arte es un modo de hallar sentido a nuestra existencia en el cosmos. En otras palabras, mi escritura no puede ofrecer sino esa desesperada búsqueda de una respuesta a sabiendas de que nunca fue ni será dada.

R.P: No solamente has tenido un compromiso literario, sino social y humano. En la sociedad actual  ¿crees que es posible caminar en ese compromiso? ¿Crees que realmente el poeta hoy en día tiene un compromiso real con la sociedad en la que vive?

A.T: No creo que haya un compromiso literario, otro social y otro humano. El compromiso, si entendemos éste como una forma de responsabilidad civil, es uno. El individuo, en tanto ser inteligente y consciente de su existencia, sabe que su estar y su bienestar en el mundo depende del otro y que para protegerse ha de contribuir a la protección y felicidad de los demás. Por eso pienso que el poeta tiene una doble responsabilidad. La primera con la poesía y la segunda con la sociedad. Esta doble responsabilidad siempre ha generado confusión entre los artistas, especialmente entre los artistas de izquierda que se abanderaron en el compromiso con el pueblo y produjeron un arte para él sin caer en la cuenta de que de este modo traicionaban su condición poética. No se escribe para el pueblo como tampoco se escribe para el lector, se escribe para conocer la verdad y aunque ésta no se muestre en plenitud hemos de revelar lo entrevisto sin concesiones ideológicas, políticas, económicas o religiosas; hemos de ser fieles y leales a nuestro cometido artístico si queremos conocer lo que la realidad oculta en las sombras, como diría Lévinas. Es en este punto que se activa la responsabilidad civil, porque el artista, en tanto ciudadano, ha de colaborar activamente en la instrucción de la ciudadanía para que ésta pueda acceder al conocimiento que le enseñan las claves para comprender el mundo. Por esto pienso que no es cierto que las elites hayan secuestrado el arte, porque esto significa cargar al artista genuino con una traición que no ha cometido. Lo que han secuestrado las elites dominantes no es el arte, sino la educación.

R.P: Tu vida literaria y periodística se ha desarrollado en Barcelona, ¿qué ha significado para ti todas tus vivencias, toda tu trayectoria en Barcelona?

A.T: Es verdad, casi toda mi obra y mi actividad periodística e intelectual se ha desarrollado en España y, principalmente, en Barcelona, de donde no me he ido del todo, porque tal cosa es imposible. Cuando leí siendo estudiante los elogios que de ella hace Cervantes en el Quijote pensé que era una exageración para contraponerla a la Castilla oscurantista de la Contrarreforma, pero tuve la suerte de comprobar que eran ciertos. Su entorno, su dinamismo y la buena vecindad me ayudaron a forjar mi carácter y a sobrevivir. Por otro lado, no hay que olvidar que, aunque algunos nacionalistas digan tonterías sobre los castellano parlantes, Barcelona es la capital mundial de la edición del libro en lengua castellana y gran parte de su PIB procede de la industria editorial. Esto sin duda creó una serie de condiciones muy favorables para quien, como yo, tenía la escritura por vocación. Primero en el periodismo y después en el mundo editorial, en el que practiqué todos los oficios pertinentes, desde corrector orto tipográfico hasta editor incluyendo la escritura de innumerables libros que, aunque de encargo, me ayudaron a crecer profesionalmente y aprovechar sus recursos para mi propia escritura. Esta experiencia significó para mí tomar conciencia de que el escritor, más allá de su vocación o talento, no era un elegido sino un trabajador y que, como tal, pertenecía a la clase trabajadora, cuyos derechos debía contribuir a mejorar.

R.P: Volver a Argentina, ¿supuso para ti un reconocimiento y una manera de devolverte algo que te arrebataron injustamente?

A.T: En una de las primeras veces que, acabada la dictadura, regresé a Argentina me preguntaron en una entrevista qué pretendía y si estaba dispuesto a perdonar a quienes me habían arrebatado tantas cosas. Lo que respondí entonces lo sigo pensando ahora. No es mi intención pasar factura y tampoco puedo arrogarme autoridad moral para dispensar perdones, porque son miles y miles las personas damnificadas, las víctimas de la maldad. Si  bien en mi alma no hay lugar para el rencor o el resentimiento, el perdón es un acto de curación para la víctima que ella sólo puede otorgar cuando su espíritu está preparado. En cuanto a si busco algún reconocimiento para mi obra creo que éste se producirá, si lo merece, cuando la conozcan y en eso estamos.

R.P: ¿En cada una de tus facetas: periodismo, ensayo, novela, etc.  se percibe  el poeta que llevas, o por el contrario ellas te han conducido a una visión más poética  de la vida y de tu producción?

A.T: Como ya dije, el periodismo, el ensayo, la narrativa, la poesía, etc. siempre han sido para mí distintos caminos de aproximación al conocimiento, pero ellos no me han conducido a la visión poética porque ella me pertenece a mí. En este sentido, siempre he trabajado sobre la idea de conseguir una escritura poética para trascender la realidad más evidente. Una escritura convencional no puede hacerlo, porque carece de los recursos retóricos que se precisan para alcanzar esos registros que, como ya dije, ocultan las sombras. Desde mis primerísimos escritos está en mi disposición lograr esa escritura poética, que no es exclusivamente la que empleamos para escribir poemas sino para escribir poesía en su sentido más profundo. De hecho esta es la razón por la que destruí todos los poemas escritos antes de 1980. En mi entender eran poemas sin poesía y mi exigencia de rigor no me permitía publicar algo que no respondía a mi idea de lo poético. Por esta misma razón también destruí toda la narrativa escrita antes de 1968, año en que empecé a imaginar lo que luego sería mi universo literario y que perfilé por primera vez a través de los cuentos de “El día en que el pueblo reventó de angustia”, publicado en 1973 y reeditado en una edición príncipe en 2014, al cumplir cuarenta años, por UniRío Editora, la editorial de la Universidad Nacional de Río Cuarto.  Prácticamente todo lo que he escrito desde entonces ya está contenido aquí.

Antonio Tello con Francisco Umbral Rafael Alberti el día en que éste regresó a España, el 27 de abril de 1977.

R.P: Las nuevas tecnologías han supuesto una revolución a la hora de hacer poesía, y en la aparición de nuevos “poetas” y la manera de moverse las editoriales  ¿Crees que son contraproducentes, crees que es positivo?

A.T: No estoy seguro de que las nuevas tecnologías hayan revolucionado el modo de hacer poesía. Pensemos que la poesía surge de un acto de creación profundo y genuino que tiende a descubrir todo lo que concierne a nuestra naturaleza humana y al mundo que nos rodea; este acto de creación es por tanto un acto de resistencia frente a la ignorancia y también un acto limitado porque no podemos abarcar la totalidad. Quiero decir que nada externo puede cambiar su esencia y hacemos poesía del mismo modo como lo hacían nuestros antepasados. Otra cosa es que vayamos evolucionando en nuestros modos de expresarnos a medida que conocemos el lenguaje, pero aparte de esto hacemos poesía igual con nuestros dedos, con pluma, máquina u ordenador.  Ahora bien, lo que han hecho las nuevas tecnologías y su aplicación en las redes sociales es crear la fantasía de que la poesía es democrática y de que cualquiera puede acceder a ella.  Lo que han generado las nuevas tecnologías es una hiperinflación de poetas, es decir, de personas que se creen poetas y escriben versos, pero que no son necesariamente poetas. La poesía no es democrática. La poesía es selectiva porque su compromiso ético con la verdad y el conocimiento es extremadamente exigente.

R.P: Acaba de salir en España, México, Argentina y otros países latinoamericanos  tu último poema –En la noche yerma– publicado por Vaso Roto Editorial.  Este libro será presentado en Argentina en el marco del VIII Congreso Internacional de la Lengua española en marzo. ¿Qué vamos a encontrar en él?

A.T: Como ya se anuncia en el título, este poema, como en La tierra baldía de T.S.Eliot, trata de la decadencia de nuestra civilización y, consecuentemente, de la degradación de la lengua. Pero esa es toda la coincidencia.  Eliot, poeta inteligente y sensible a cuanto sucede a su alrededor y en su tiempo, observa y describe con claridad el derrumbe desde su torre social con el catalejos de su educación y su cultura eurocéntricas y anglosajonas sin que el polvo de los escombros ensucien sus ropas ni manchen sus zapatos. En cambio, el poeta de En la noche yerma vive la degradación de la civilización en carne propia y se arriesga no sólo a describirla sino a usar su propia lengua agónica en medio de un entorno hostil. Sobre la tierra baldía cubierta por los escombros de la guerra y los desechos humanos que Eliot vislumbraba ha caído la noche y la violencia campea encarnada en las sombras. Nadie escapa al horror.

el exiliado sabrá que  tampoco él escapará

al sino de los dioses y habrá de alzar la

quijada del asno contra los cazadores que

cortaron la lengua a los perros e hicieron

de sus sembrados cotos privados de batalla

 

R.P:   Hacer poesía es algo más que pasión y sentimiento, ¿Dónde se enmarca la poesía de Antonio Tello?

A.T: Mucha de la poesía que se hace actualmente es epidérmica porque está centrada en lo emocional antes que en el pensamiento y la imaginación. Los poetas actuales parecen estar más preocupados en emocionar para ganarse una parroquia de fieles y compartir con ella las circunstancias cotidianas que en explorar y conocer. Mi poesía en cierto modo desdeña la sentimentalidad romántica, pero no la pasión. La pasión es una de las formas de la voluntad y del deseo de superación, es, para decirlo siguiendo a Schopenhauer, el motor que mueve el mundo. Me he propuesto, aunque no sé si lo he conseguido, que mi poesía sea un eslabón más de la tradición poética. Conservo la oralidad y la musicalidad porque creo que también los sucesos y tribulaciones que embargan el espíritu son narrables del mismo modo como las noticias de los pueblos o las hazañas de sus héroes lo eran para aedas y juglares.

R.P: Hay un poema publicado en el blog de Claudia Ainchil, un poema tuyo “Odiseo” que empieza:

“Escribo.

Anudo palabras para conjurar el olvido.”

¿Qué te reporta la palabra?

A.T: Sí, ese poema pertenece a Sílabas de arena y expresa lo que es mi poética. La palabra es el sustento de nuestras vidas, porque ella no sólo define y significa el mundo que vivimos, sino que sienta las bases de la justicia y la convivencia entre los seres humanos. Si no fuera por la palabra el olvido se adueñaría de nuestras vidas y reinaría la impunidad, pero mantener esa idea significa conocer y “atravesar el laberinto de voces que brillan y mudan de sentido”

R.P: En el análisis de tu obra afirman que te sustentas en  la tradición literaria castellana en particular y anglosajona en general: Cervantes, Borges, Kafka, Camus o  Faulkner.  Tú has desarrollado congresos y conferencias  sobre la lengua y la literatura. En la actualidad  no se ve una base literaria en   lo clásico, muchos poetas tienen otros referentes más actuales o incluso un sustento más limitado, ¿es necesario volver a lo clásico? ¿Es necesario conocer o estudiar  a quienes nos han precedido con anterioridad, conocer la lengua, para ser buen escritor o poeta?

A.T:  Hace un momento dije que pretendía que mi poesía, mi obra en general, fuese un eslabón de la tradición. Creo que no se puede escribir en serio si no se conoce desde donde escribimos y si no se conoce la lengua. No se trata de que volvamos a los clásicos, sino de que nunca los dejemos para saber en todo momento hasta donde han llegado y avanzar ¿Podría haber escrito, por ejemplo De cómo llegó la nieve –mi primera novela- si no hubiese conocido el Mío Cid o El Quijote o En la noche yerma sin saber de T.S.Eliot, la Biblia o el Popol Vuh?

R.P: Para terminar, deseamos que tu nuevo proyecto literario sea un éxito,  y agradecerte de nuevo  el que nos hayas concedido esta entrevista. ¿Algún consejo, alguna sugerencia que quieras aportar a los lectores de PROVERSO?

A.T: Para dar consejos se necesita ser maestro y no sé si éste se vería con autoridad de darlos.

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FERNANDO AGUILÁ | LA MÚSICA HECHA VERSO

Por: Inma J. Ferrero


La revista PROVERSO ha tenido el gran placer de realizar una entrevista el director del “Parnaso español” Fernando Aguilá, el cual ha tenido la ambilidad de responder a nuestras preguntas.

Fernando Aguilá, fundador y director de EL PARNASO ESPAÑOL, está especializado en la interpretación del repertorio de los siglos XVII y XVIII. Fruto de este interés ha sido su labor como director de los grupos Il Modo Frigio y Camerata Antiqua, y su investigación sobre la práctica del bajo continuo sobre instrumentos de tecla en España, materializada en su trabajo Las Reglas Generales de Acompañar de José de Torres (ca.1670-1738), estudio y edición crítica de la edición de 1736 del emblemático tratado del gran compositor español.

Director y organista de formación, como intérprete se ha comprometido con la difusión del repertorio del barroco hispánico, colaborando habitualmente con diversos grupos especializados y habiendo ofrecido numerosos conciertos como solista. Compagina además una intensa actividad en el ámbito de la música coral con el estudio y la interpretación del repertorio histórico para tecla y la dirección vocal e instrumental. Como compositor ha obtenido varios premios (Premio Ángel Barrios de Composición, Premio Lacetània de Composición Coral o Premio de Composición Coral de la Federació de Cors de la Comunitat Valenciana, entre otros), y varias de sus obras han sido grabadas y retransmitidas por RNE y publicadas por diversas editoriales (EMEC, Piles). Recientemente ha obtenido el Premio Juan Bautista Comes de Composición Coral.

R.P: ¿Podrías darme una definición de la música barroca según tus palabras?

F.A: La música barroca es el elogio de la retórica. La práctica musical del periodo que hemos denominado “barroco” se relaciona de forma maravillosa con el resto de las manifestaciones artísticas de su época: la pintura, la escultura, la arquitectura, la literatura… Y en todas ellas, el gusto por el detalle es la norma, por lo que visualmente entiendo esta música, sobre todo a partir del primer tercio del siglo XVIII, como una artesanal filigrana, ya que la ornamentación es también una parte intrínseca de su lenguaje. Sin olvidar precisamente que la retórica, esencial en la literatura barroca, constituye en este periodo el basamento de su arte musical.

“la música barroca es el elogio de la retórica…”

R.P: ¿cuáles son la música y los periodos históricos que prefieres?

F.A: ¡Difícil elección! Como compositor e intérprete, el siglo XX es para mí un periodo realmente fascinante. Si existiera la posibilidad de viajar por el tiempo, no dudaría en visitar el París de principios de siglo, que sería maravilloso por todo lo que significó para los compositores de esa generación. Y claro está, el siglo XVIII español. Aunque nunca he ocultado mi fascinación por la polifonía renacentista, de la que en España podemos y debemos sentirnos realmente orgullosos, encuentro en el siglo XVIII un interesante punto de inflexión en la Historia que lo hace realmente interesante para todos aquellos a los que nos gusta bucear por ella. Concretamente en lo musical, el XVIII en España ha sido un siglo muy maltratado por los historiadores y los musicólogos hasta hace muy poco tiempo, llegando hasta nosotros de manera tan distorsionada que hacía poco o incluso nada apetecible su investigación. Afortunadamente, este panorama empezó a cambiar hace ya varias décadas, y hoy se nos presenta como lo que realmente fue: uno de los periodos más interesantes y fructíferos de la historia de la música española.

R.P: ¿Prefieres los instrumentos antiguos o actuales?

F.A: Hoy tenemos la posibilidad de interpretar la música del pasado con instrumentos históricos originales o bien con reconstrucciones de esos instrumentos, que es lo que la mayoría de los músicos historicistas hacen si no pueden disponer de los originales. Para mí, volver a la antigua práctica instrumental es esencial para entender la música de épocas pasadas, puesto que los compositores concibieron su música pensando en aquellos instrumentos, incluidas las limitaciones técnicas que con el paso del tiempo se fueron limando hasta llegar a nuestros perfeccionados instrumentos actuales. El estudio de tantos siglos de práctica musical tan diversa se acumula en el intérprete actual como una pátina de polvo que conviene limpiar a conciencia si queremos acercarnos a esa música sin prejuicios.

Hay otra elección, respetable sin duda, aunque no la comparta, que es la de interpretar la llamada “música antigua” en instrumentos modernos. Pero para mí es algo alejado de la esencia de esa música. Recuerdo que no hace mucho, una conocida editorial reeditó un cuaderno con obras de Cabezón en cuyo título rezaba el epígrafe “para piano”. ¡De lo anacrónico que resultó hasta me pareció poético! No obstante, la búsqueda del sonido original no dejará nunca de ser una quimera. Y no porque no nos hayan llegado instrumentos perfectamente conservados, que así ha sido, sino porque nuestros oídos ya no son los mismos que los que escucharon nacer aquellas obras.

R.P: ¿cómo interpretas las partituras de esta música? ¿Qué criterios crees que debe defender el intérprete actual de la música barroca?

F.A: La interpretación de la música del pasado ha de fundamentarse en un trabajo serio y riguroso, pero sin renunciar jamás a la fantasía. El estudio de las fuentes y el conocimiento exhaustivo de la práctica musical de la época no deben estar reñidos jamás con la imaginación musical, puesto que tanto para intérpretes y musicólogos la práctica científica y la artística están condenadas a entenderse. Y digo esto porque antes era bastante común que cada cual mantuviera su terreno a salvo de intrusiones. Así nos encontrábamos musicólogos con un paupérrimo conocimiento de la armonía y un letargo en su intuición musical de tal magnitud que eran incapaces, por ejemplo, de reconstruir un fragmento musical con la mínima coherencia o de corregir errores flagrantes en la copia de un bajo continuo, al igual que intérpretes con un conocimiento elemental y casi ridículo de la música que tenían entre manos. Por fortuna esto ha cambiado, y salvo muy contadas excepciones, tanto los musicólogos como los intérpretes (que lo habitual es que ya trabajen de manera conjunta) están respaldados por una sólida formación interdisciplinar que garantiza un resultado como mínimo satisfactorio en ambos terrenos, y que obviamente resultan indisolubles, puesto que la práctica musical “históricamente informada” (como gusta llamarla en el ámbito académico) es impensable sin el estudio de sus fuentes históricas, al igual que resultaría absurdo investigar y rescatar nueva música para que ésta acabara en un cajón. Y es ahí donde recae nuestra responsabilidad como intérpretes: darle forma a una música que, en muchos casos, es una mera consecución de pistas que sólo deja entrever lo mucho que se oculta entre sus notas. Conviene recordar que el intérprete actual de estas obras se enfrenta a una gran dificultad que se añade a todas las propias de su profesión: se ha perdido mucha información por el camino. Los músicos del siglo XVII, por poner un ejemplo, estaban acostumbrados a una serie de prácticas en la ornamentación, la articulación o el aire, que no era necesario plasmar por escrito, puesto que todos las conocían y practicaban. Y no sólo exigían conocimiento y destreza, sino también imaginación. Afortunadamente hoy disponemos de numerosas fuentes y documentos para reconstruir esta práctica.

“Pienso que todo crítico, ya sea musical, literario o crítico de arte, debe poseer dos cualidades indispensables: conocimiento y ecuanimidad…”

R.P: ¿Qué piensas de los críticos de la música barroca?

F.A: Desconfío de los críticos “especializados”, pues son aquellos en los que he observado un mayor uso de clichés en sus críticas. Pienso que todo crítico, ya sea musical, literario o crítico de arte, debe poseer dos cualidades indispensables: conocimiento y ecuanimidad. Puede resultar una obviedad, sin duda, pero la carencia de una de estas cualidades (o de ambas) puede convertir el difícil ejercicio de la crítica en un juego muy peligroso, como por desgracia hemos visto y seguiremos viendo en demasiadas ocasiones. El concierto, el cuadro o la novela son sólo la punta de un iceberg de horas, días e incluso años de trabajo y sacrificio que merecen el más profundo de los respetos. El mismo respeto, por supuesto, que merece la crítica musical ejercida con rigor y profesionalidad. A un crítico le exigiremos coherencia, por supuesto. Pero precisamente con esa misma coherencia deberemos afrontar una crítica que, buena o menos, siempre será beneficiosa.

R.P: ¿crees que está aumentando la demanda para este tipo de música?

F.A: Afortunadamente es un hecho. Hay un interés creciente, tanto por los músicos como por el público. Cada vez más conservatorios ofrecen especialidades de instrumentos antiguos, así como de canto histórico, y su demanda es asombrosa. No hace muchos años era casi obligatorio salir de España para formarse en la práctica histórica, y hoy se ha convertido en sólo una elección más. También el público, cada vez más formado e informado sobre el repertorio, se mantiene ávido de nuevas propuestas que enriquezcan su disfrute. Y es ahí donde la recuperación del patrimonio musical encuentra su razón de ser: músicos preparados para enfrentarse a él y un público entregado para su disfrute. Por ello, y a pesar del escaso apoyo institucional de propuestas como la nuestra, el panorama actual es muy alentador. E insisto, a pesar de las instituciones que deberían velar por ello.

R.P: ¿Cuáles son tus influencias en referencia a otros grupos u orquestas que tocan el mismo estilo?

F.A: La influencia que han ejercido los grupos más veteranos en los músicos más jóvenes es incuestionable. Una figura imprescindible en nuestro país ha sido la del maestro Emilio Moreno, que desde su doble faceta como docente e intérprete ha iluminado el camino de varias generaciones de músicos. El gran Jordi Savall, por supuesto, merece mención aparte. En nuestro caso, El Parnaso Español intenta continuar el trabajo que ya iniciaron en su día pioneros como el maestro Eduardo López Banzo, que desde Al Ayre Español ha llevado a cabo una espectacular labor de recuperación de autores de nuestro barroco tan importantes como Durón, Torres, Nebra, De la Puente o Iribarren, pues nuestro grupo nació con el objetivo prioritario de la recuperación del patrimonio musical español e iberoamericano. Aunque a cada conjunto le corresponde su propia personalidad, es muy beneficiosa la comunicación y la buena relación que existe hoy entre los colegas, enriqueciéndonos entre todos de las diferentes propuestas y aportaciones que cada cual realiza desde sus grupos. De esta forma, sólo en España ya nos encontramos con un deslumbrante panorama de orquestas y conjuntos importantísimo y cada vez más numeroso: la Orquesta Barroca de Sevilla, El Concierto Español, La Real Cámara, La Madrileña, La Danserye, La Galanía, Los Músicos de su Alteza, La Tempestad, Accademia del Piacere, Forma Antiqua, Los Afectos Diversos…, que unidos a grupos más jóvenes pero excelentes como Dolce Rima, Concerto 1700, L’ Apothéose, Lodi Musicali o Íliber Ensemble prometen un futuro alentador.

R.P: ¿cuáles son tus proyectos futuros?

F.A: Nuestro próximo CD estará dedicado a José de Torres, que merecía sin duda un monográfico de sus cantadas sacras, que son bellísimas. Es un precioso proyecto al que estamos dando ya los últimos retoques. En cuanto a nuevos programas, me hacen especial ilusión dos proyectos que estrenaremos este año. Uno será el estreno conjunto del Miserere de Antonio Literes y el Te Deum de José de Torres, dos obras espectaculares que haremos en colaboración con el Coro Tomás Luis de Victoria de Granada, la excelente formación vocal que dirige Pablo García Miran da, y que este año cumple su vigésimo aniversario. El otro proyecto, no menos fascinante, será la recuperación de la magnífica Ópera a 4 de Francisco Hernández Illana, una interesantísima obra que estrenaremos en mayo en el Festival de Música Antigua de Granada. Hernández Illana es uno de esos compositores injustamente olvidados que merecen urgentemente que se les restituya su lugar en la historia de la música española. Aprovecho para mencionar a los responsables de las transcripciones de estas obras: Raúl Angulo y Antoni Pons, dos excelentes musicólogos con los que colaboramos estrechamente. Ambos, responsables del proyecto Ars Hispana, realizan una titánica labor de investigación sin la cual no sería posible nuestro trabajo. Aprovecho desde aquí, una vez más, para agradecerles su encomiable esfuerzo por la recuperación de nuestro patrimonio musical.

R.P: algo que quieras decir para motivar a más público a escuchar y a descubrir este tipo de música que está renaciendo en las últimas décadas.

F.A: Que no sólo disfruten, sino que se arriesguen a conocer aquellos autores completamente desconocidos, pues en ellos descubrirán una música dispuesta a hacerles disfrutar del más fascinante viaje en el tiempo. Hoy tenemos en España un barroco más vivo que nunca. ¡Y grandes músicos deseando mostrarlo!


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